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domingo, 11 de diciembre de 2016
LOS DIEZ TANGOS MÁS BONITOS DE MARIANO MORES
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Gabriel Mores
2 h ·
Feliz día para todos los que amamos y defendemos este TANGO tan nuestro. Feliz Día Tango
¡¡¡GRACIAS GABRIEL MORES!!! igual para tí
CONTINUAMOS CON LA MÚSICA DE EXCELENCIA DE LOS MORES...
domingo, 20 de noviembre de 2016
Maria Bethânia
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Maria Bethânia
Datos generales
Nacimiento 18 de junio de 1946, 70 años
Origen Flag of Brazil.svg Brasil, Bahía
Nacionalidad Brasileña
Ocupación Música
Información artística
Género(s) MPB
Instrumento(s) Vocalista y guitarrista
Artistas relacionados Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Ivete Sangalo
Web
Ficha Maria Bethânia en IMDb
[editar datos en Wikidata]
Maria Bethânhia Vianna Telles Velloso (18 de junio de 1946 en Santo Amaro, Bahía) es una cantautora brasileña. En 1964 empezó su carrera en el concierto Opinião celebrado en Río de Janeiro. En 1965 alcanzó su máxima popularidad a nivel nacional tras su sencillo Carcará.1
Nació en el seno de una familia de artistas: es hermana de los [también] cantautores Caetano Veloso y Mabel Velloso además de ser tía de los cantantes Belô Velloso y Jota Velloso.2
A lo largo de su carrera ha publicado 50 álbumes de estudio y se encuentra entre los diez mejores cantantes de Brasil tras vender 26 millones de copias.3 4
Biografía
Bethânia es la sexta de ocho hermanos. Su padre, José Teles Velloso fue funcionario público en correos.5 Su hermano Caetano fue quien la bautizó bajo el nombre de Maria Bethânia en homenaje al single homónimo compuesto por Capiba, conocido en aquella época, e interpretado por Nelson Gonçalves.2
Durante su infancia soñó con ser actriz, sin embargo al criarse en el seno de una familia ligada a la música acabaría influida por estos.6 A los 13 años se mudó a Salvador de Bahía donde experimentó el arte bohemio de la zona. A los 16 años, Caetano le ofreció cantar la banda sonora de una película, pero declinó la oferta. No obstante a Álvaro Guimarães le atrajo su voz y este le invitó a actuar en el musical de Nelson Rodrigues: Boca de ouro de 1963 donde interpretó una samba de Ataulfo Alves.7
En el mismo año, conoció junto a su hermano a los cantantes Gilberto Gil y Gal Costa y fueron invitados a participar en un concierto de música popular para inaugurar el teatro Vila Velha. En 1964 interpretaron Nós, por exemplo.8 Tras el éxito del programa se volvió a repitir dos meses después con la colaboración de Tom Zé. Aquel mismo año formarían otros espectáculos llamados Nova Bossa Velha e Velha Bossa Nova y Mora na Filosofia.8 Durante una de sus actuaciones, el músico de bossa nova Nara Leão le ofreció su puesto para actuar en Opinião.9
En 1965 publicó su primer single bajo el título de Carcará.10 Posteriormente se trasladaría a Río de Janeiro donde actuaría en varios clubes nocturnos de la ciudad. Finalmente firmaría contrato con la discográfica RCA Records aunque a lo largo de los años 70, Bethânia cambiaría de discográfica continuamente.11 Entre sus trabajos destacados en aquella década se encuentran: Drama, Luz Da Noite y Pássaro da Manhã con el que obtuvo el "disco de oro". Mismo premio recibió por Álibi.6 A finales de los 70 decidió centrarse en dar un ritmo tropical a sus trabajos.10 Durante los años 80 y 90 continuó grabando nuevos materiales, entre los que se encuentra As Canções Que Você Fez Para Mim, considerado el álbum más vendido de Brasil.
Discografía
(40 discos lanzados, excluyendo los compactos: 27 de estudio y 13 en vivo)
Sony BMG / RCA[editar]
1965 - Maria Bethânia
1966 - Maria Bethânia canta Noel Rosa
Universal Music / Elenco[editar]
1967 - Edu e Bethânia - com Edu Lobo
EMI[editar]
1968 - Recital na Boite Barroco - en directo
1969 - Maria Bethânia
1970 - Maria Bethânia Ao Vivo
Universal Music / Philips / Polygram[editar]
1971 - A Tua Presença
1971 - Rosa dos Ventos - en directo
1972 - Quando o Carnaval Chegar (banda sonora de la película homónima, con Chico Buarque y Nara Leão)
1972 - Drama
1973 - Drama 3º ato - en directo
1974 - A cena muda - en directo
1975 - Chico Buarque e Maria Bethânia - en directo
1976 - Pássaro Proibido
1976 - Doces Bárbaros - con Caetano Veloso, Gal Costa y Gilberto Gil - en directo
1977 - Pássaro da Manhã
1978 - Maria Bethânia e Caetano Veloso Ao Vivo (en directo)
1978 - Álibi
1979 - Mel
1980 - Talismã
1981 - Alteza
1982 - Nossos Momentos - en directo
1983 - Ciclo
1984 - ABeira e o mar
1987 - Personalidade (PHILIPS PolyGram)
Sony BMG / RCA[editar]
1986 - Dezembros
1988 - Maria
Universal Music / Polygram[editar]
1989 - Memória da Pele
1990 - Maria Bethânia - 25 anos
1992 - Olho d'Água
1993 - As canções que você fez para mim
1994 - Las canciones que hiciste para mi - en español
1995 - Maria Bethânia Ao Vivo
EMI[editar]
1996 - Âmbar
1997 - Imitação da vida - ao vivo
Sony BMG[editar]
1998 - A Força que nunca seca
1999 - Diamante Verdadeiro - ao vivo
2000 - Cânticos, Preces e Súplicas à Senhora dos Jardins do Céu (tiragem limitada de dois mil cópias)
2001 - Maricotinha
Biscoito Fino e Quitanda[editar]
2002 - Maricotinha Ao Vivo
2003 - Cânticos, Preces e Súplicas à Senhora dos Jardins do Céu - edição comercial
2003 - Brasileirinho
2005 - Que falta você me faz (músicas de Vinícius de Moraes)
2006 - Mar de Sophia
2006 - Pirata
2007 - Dentro do Mar Tem Rio - en directo
2008 - Maria Bethania e Omara Portuondo (Cantora Cubana do Buena Vista Social Clube)
2009 - Tua
2009 - Encanteria
2012 - Oasis de Bethânia
2014 - Meus Quintais-WIKIPEDIA
lunes, 24 de octubre de 2016
PACO MONTALVO
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Paco Montalvo Violinist.jpg
Paco Montalvo
Datos generales
Nombre real Francisco José Montalvo
Nacimiento 19 de noviembre de 1992 (23 años)
Origen Bandera de España Córdoba, España
Nacionalidad Española
Ocupación Violinista Flamenco, Clásico, Compositor
Paco Montalvo (Córdoba, 19 de noviembre de 1992) es un músico clásico español y creador del violín flamenco como voz principal. Se trata del violinista más joven del siglo XXI que ha debutado en la sala principal del Carnegie Hall de Nueva York.1
Biografía
Desde pequeño se interesa por la música gracias al ambiente que hay en su casa, teniendo su primer contacto con un violín a muy temprana edad. Su padre fue su primer profesor y a los 5 años comenzó a estudiar con el maestro Yuri Petrossian y posteriormente con Nestor Eidler, pupilo de Szentgÿorgyi y David Oistrach. Con 6 años ofreció su primer recital en su ciudad y con 12 años debutó con la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española en Madrid.2 Desde entonces amplió su formación en prestigiosas universidades y escuelas de música como el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, Universidad Mozarteum de Salzburgo, Universidad de Charlotte en North Caroline, Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, Fundación Barenboim-Said y Meadowmount School de Music de Nueva York. En marzo de 2014 Paco Montalvo fue incluido por Nestle como uno de los 4 mejores violinistas del mundo en el S.XXI3
Carrera[editar]
Desde su debut con la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión española a los 12 años comienza una prolífica carrera como concertista, actuando como solista con prestigiosas orquestas y en festivales y recitales en América, Asia y Europa. Su carrera internacional está marcada por dos sobresalientes conciertos, el primero de ellos en Tel-Aviv junto a la Orquesta Sinfónica de la ópera de Israel cuando Montalvo tenía 17 años. Tal fue el éxito obtenido en este concierto que meses después recibió la invitación que le llevaría a ser el violinista más joven del siglo XXI en debutar en la sala principal del mítico teatro neoyorquino,4 el Carnegie Hall.
Exitoso debut en el Carnegie Hall de Nueva York[editar]
El 24 de abril de 2011 Paco Montalvo logró un hito histórico al debutar con gran éxito en el emblemático Carnegie Hall de Nueva York5 a la edad de 18 años. Acompañado por la Orquesta New England Symphonic y a las órdenes del director y compositor británico John Rutter, interpretó el Concierto para violín y orquesta no.1 de Nicolo Paganini. El dominio técnico del instrumento y su madurez interpretativa fueron destacados por la crítica norteamericana, que le calificó como un músico deslumbrante,6 "sus solos hicieron vibrar al público neoyorquino”, que premió al joven español con una gran ovación. Se trata del primer violinista del S XXI que a la edad de 18 años debuta en la sala principal Stern Auditorium/Perelman Stage de este mítico teatro,7 con una de las obras más representativas del gran repertorio violinístico.
Discografía[editar]
Álbumes de estudio[editar]
2015 - Alma del violín flamenco
Alma del violín flamenco entró en el Top 100 de albums más vendidos de iTunes logrando la posición número 11 en el mes de febrero de 2016. 8
Premios[editar]
Su primer premio lo recibió con tan solo 11 años y desde entonces ha recibido, entre otros muchos galardones, el Premio Libertad Música, 9 Premio Bandera de Andalucía 10 otorgado por la Junta de Andalucía. Premio Andaluz del futuro 2011 y Premio Internacional Arthur Rubinstein a la excelencia en Interpretación y Composición musical.11
Presentaciones internacionales[editar]
En mayo de 2006, Montalvo emprende su primer viaje a los Estados Unidos de América seleccionado por “The Stradivari Society” como uno de los jóvenes solistas más destacados del mundo. Actuó en el Concert Hall Stradivari de Chicago, IL. con el violín Stradivarius La Cathédrale de 1707.
En noviembre de 2014 es presentado en el Congreso Internacional "Mentes Brillantes" como uno de los mejores violinistas del mundo. 12
En mayo de 2013 la actriz norte americana Eva Longoria invitó a Paco Montalvo a la gala anual “The Global Gift Gala” en París. En Marzo de ese mismo año Montalvo tiene un esperado encuentro con Yael Naim, cantante indie/pop con la que trabajó en varios proyectos. En 2013 también es galardonado con el I premio internacional13 Arthur Rubinstein, a la excelencia en interpretación y composición musical.
En marzo de 2012 Montalvo viajó por primera vez a Hungría donde actuó como solista junto a la Budapest Strings Orchestra en la serie de conciertos clásicos españoles, interpretando varias de las obras más representativas de Pablo Sarasate en el Palacio del Danubio. En abril de 2012 es invitado por el violinista Shlomo Mintz para actuar en la presentación de "The Violins of Hope" en USA. Este concierto fue retransmitido por la National Public Radio para todo el país.
Paco Montalvo Live Concert
En julio de 2013 Paco Montalvo actuó al IX Festival Internacional del Egeo14 donde interpretó el concierto de Mozart nº3 bajo la batuta del director de orquesta Peter Tiboris.
En el año 2009 Paco Montalvo es presentado como embajador cultural15 para representar a Córdoba como ciudad cultural en una gira por Polonia.
En febrero de 2011 comienza el rodaje de la película “Córdoba, vida y genio”.16 Fue uno de los protagonistas con algunos de los artistas más reconocidos de esta ciudad como Vicente Amigo o el Pele.
En septiembre de 2007, viajó a La Habana donde hizo su debut con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, donde interpretó la sinfonía española de Édouard Lalo por primera vez, bajo la dirección del maestro Juan Luis González.
En enero de 2011, 2012 y 2013, actuó en el Senado de España como artista invitado con motivo del Día Internacional de la Memoria del Holocausto y Prevención de los Crímenes contra la Humanidad.17
Estudios[editar]
Con 16 años finalizó todos los estudios de violín en el Conservatorio Superior de Música "Rafael Orozco" logrando la máxima calificación en la especialidad de violín en todos los cursos. Obteniendo su licenciatura a la edad de 18 años lo que le convierte en uno de los licenciados más jóvenes de Europa. Meses después comenzó sus estudios de postgrado, obteniendo un Máster en Educación Inclusiva con perfil investigador por la Universidad de Córdoba.
Maestros[editar]
Paco Montalvo ha sido alumno y ha trabajado con algunos de los más grandes maestros del violín como Jean-Jacques Kantorow, Zakhar Bron, David Russel, Igor Ozim, Mathis Fischer, Klaus Peter, Victor Pikaizen, Salvatore Accardo, Yuri Volguin, Sally Thomas, Alexander Tronstiansky, Olga Vilkomirskaya, Joel Smirnoff, Serguei Teslia, Ruben Aharonyan, Elena Anguelova, Gonçal Comellas, Luis Gallardo, Serguei Fatkouline, José Gámez, Ara Bogdanian, Pavel Vernikov y Alexander Markov.WIKIPEDIA
sábado, 15 de octubre de 2016
viernes, 7 de octubre de 2016
JAVIER SOLIS
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Javier Solís
Javier Solís (2004).JPG
Datos generales
Nombre real Gabriel Siria Levario
Nacimiento 1 de septiembre de 1931,
Ciudad de México,
Muerte 19 de abril de 1966 (34 años),
Gabriel Siria Levario, mejor conocido como Javier Solís (Ciudad de México,1 2 1 de septiembre de 1931-Ciudad de México, 19 de abril de 1966) fue un cantante y actor mexicano, conocido también como El Rey del Bolero Ranchero.
Biografía
Sobre su lugar de nacimiento
Notoriedad y extraña consideración tuvo Javier Solis al hablar constantemente de la localidad de Nogales, en el estado de Sonora: se rumoreó por mucho tiempo que fue allí donde nació, y que se trasladó luego a la ciudad de México. Parte de la versión es cierta: un tío de Javier fue de aquella localidad. Sin embargo, no hay fuentes que acrediten a Solis como sonorense, excepto la biografía publicada por la disquera CBS Columbia, que publicó su origen norteño en un LP, al parecer una estrategia comercial3 sin referencia alguna. Así pues, no hay fuentes fidedignas que confirmen su origen sonorense, excepto la fuente oficial: el acta de defunción gubernamental del registro civil, donde se confirmó que era capitalino.4
Infancia y adolescencia[editar]
Fue el primero de los tres hijos del matrimonio formado por Francisco Siria Mora, de oficio panadero, y Juana Levario Plata, comerciante, quienes lo bautizaron como Gabriel Siria Levario. Su madre poseía un puesto de venta en un mercado público y, debido al abandono por su esposo y al tiempo que le demandaba su trabajo, decidió en abril de 1932 dejar a Gabriel en casa de sus tíos Valentín Levario Plata y Ángela López Martínez. De hecho, el futuro artista siempre consideró a estos sus verdaderos padres. Fue bautizado en el Sagrario Metropolitano de la capital mexicana.5
Logró estudiar hasta el 5º grado de educación primaria en escuelas ubicadas en el barrio de Tacubaya, donde nació y creció.
En las escuelas de Tacubaya comenzaron a desarrollarse sus inquietudes artísticas, pues solía participar como cantante en los festivales escolares. Sin embargo, dejó de asistir a la escuela para ayudar en los gastos domésticos y a trabajar como recolector de huesos y vidrios. Luego trabajó trasladando mercancías en un automercado. En noviembre de 1939 falleció su madre adoptiva; el futuro cantante debió sobreponerse y continuó trabajando en oficios tales como panadero, carnicero, cargador de canastas en el mercado y lavador de automóviles. Luego se interesaría por el deporte, y llegó a ser gran aficionado al boxeo, al béisbol, al futbol y a la lucha libre, teniendo una gran amistad con El Santo, el enmascarado de plata.
Sin embargo, siguió interesado en cantar: comenzó a presentarse, como intérprete de tangos, en lugares públicos de espectáculos conocidos como carpa. Su primera oportunidad se la ofreció Manuel Garay, payaso de profesión y administrador del Teatro Salón Obrero. Ahí se puso como nombre artístico Javier Luquín y participaba en concursos de aficionados, y llegó a ganar en más de una ocasión un par de zapatos donados por una zapatería del lugar. Continuó trabajando en carnicerías, y el propietario de una de ellas, David Lara Ríos, al descubrir las habilidades del joven intérprete, decidió pagarle clases de canto con el maestro Noé Quintero, quien había sido maestro de vocalización de cantantes reconocidos para la época.
Inicios artísticos[editar]
Javier Solís comenzó una nueva etapa actuando en restaurantes y como parte primero del Dúo Guadalajara y luego del Trío Flamingo, llamado después Trío México, con sus amigos Pablo Flores y Miguel Ortiz Reyes.6 "La vocación artística se inició por hambre"6 , comentó. A principios de 1948 aún trabajaba como carnicero en una carnicería llamada "La Providencia" de la Colonia Condesa6 y se inició como intérprete solista de música ranchera: cantaba en las noches con grupos de mariachis en la Plaza Garibaldi y en la calle Honduras, en la capital mexicana. Después cantó en los restaurantes El Tenampa y el Guadalajara de Noche, donde se hacía acompañar del Mariachi América de Alfredo Serna. Como no tenía sueldo fijo, sus ingresos provenían de las propinas que recibía. Ese mismo año, por primera vez participó en un concurso radial, sin usar su seudónimo. Al finalizar el año, mientras cantaba en la Plaza Garibaldi el general Rafael Ávila Camacho lo contrató junto al mariachi Metepec por un año para actuar en Atlixco, en el estado de Puebla. Fue su primera gira como Javier Luquín. Al finalizar la gira, lo contrataron en un cabaret como cantante y animador, frente a un público diverso. Estudió canto aproximadamente un año con el maestro Miguel Quintero.6
Hacia 1950 grabó sus primeras creaciones: Punto negro,Tómate esa copa, Virgen de barro y Te voy a dar mi corazón, producidas, con el Trío Los Galantes, en un pequeño estudio de grabación destinado a artistas aficionados y que pertenecía a la sala de cine Cinelandia de la Ciudad de México. El cantante hizo estas grabaciones en discos de acetato para mostrarlas a sus amistades y las entregó como tarjeta de presentación ante Discos Columbia de México (hoy filial mexicana de Sony Music), la que lo contrató en enero de 1956. Esta empresa discográfica incluiría las dos últimas en el LP Homenaje a Javier Solís, editado en 1990, y Punto negro aparecería en el triple LP 36 Éxitos de Javier Solís, que se distribuyó en el mercado en 1969.
Carrera profesional[editar]
A principios de 1955 fue contratado para cantar en el Bar Azteca, donde permaneció por espacio de 4 años. Es aquí donde, a sugerencia de su amigo Manuel Garay, cambiaría su seudónimo por Javier Solís, con el cual lograría la fama artística. A mediados de ese mismo año lo escuchó cantar en el local Julito Rodríguez, en ese entonces guitarrista y primera voz del Trío Los Panchos, quien lo recomendó para una audición con Felipe Valdés Leal, quien era director artístico de Discos Columbia de México. Gabriel Siria, ahora convertido en Javier Solís, resultó aprobado en la audición y se le hizo un contrato para grabar su primer sencillo a fines de 1955. Se incluyeron los temas Qué te importa y Por qué negar. El sencillo obtuvo éxito en el interior de México y, gracias a ello, fue contratado formalmente el 15 de enero de 1956. Se dice que, como parte de este trato, Javier Solís entregó la cinta que contenía los temas antes mencionados y la compañía la archivó por varios años, dando a conocer los temas, años después de su fallecimiento, como ya se ha dicho.
Un hecho inesperado retrasó el lanzamiento de su primer álbum. El día del sepelio del actor y cantante Pedro Infante es motivo para que Solís, subiera a una cripta del cementerio a entonar la ranchera Grito Prisionero, imitando la vocalización del fallecido intérprete.
Solís continuó haciendo presentaciones en el Bar Azteca y también en un espacio de la emisora mexicana XEW. Recibe su primer disco de platino por las altas ventas de su primer sencillo, el día 5 de septiembre de 1957. Como consecuencia, grabó su primer álbum Javier Solís, Volumen I añadiendo a los temas de su disco sencillo 6 canciones más. Fue en esta época en que iniciaron las interrogantes en torno a su vida privada, pues en el prefacio de este LP se aseguró que su nacimiento ocurrió en el estado mexicano de Sonora, lo cual desmintieron las investigaciones periodísticas posteriores. Su consagración definitiva fue cuando grabó el tema Llorarás Llorarás (que formó parte del álbum del mismo título) en 1959, cuando Felipe Valdés Leal logró con consejos que Solís abandonara su estilo imitador. En lo sucesivo, su carrera fue meteórica, ya que aunque duró solamente 10 años, grabó 379 canciones y se convirtió en uno de los cantantes más famosos de la historia en México.
A pesar de su modesta estatura (1.63 m) y la corta duración de su carrera (10 años) logró forjar una carrera cinemaográfica participando en 33 peliculas.
En 1959, durante su primera gira promocional hacia Estados Unidos, la disquera preparó un álbum de valses de origen mexicano en el cual el acompañamiento no sería efectuado con mariachis sino con una banda sinfónica conformada por músicos mexicanos y estadounidenses con arreglo y dirección del músico Fernando Zenaido Maldonado. El álbum, titulado Javier Solís con banda, fue grabado en los estudios de Columbia Records en Nueva York, en uno de los primeros trabajos de grabación multipista llevados a cabo por artistas latinoamericanos. Las ventas iniciales de este LP se destinaron a organizaciones de caridad, pero tuvo poca aceptación en México. Sin embargo, varios años después fue digitalizado. Curiosamente, en 1963 la disquera tomó la pista de voz de esta grabación y sustituyó el acompañamiento de banda con el del Mariachi Nacional de Arcadio Elías. El álbum resultante se denominó Valses Mexicanos, que al ser digitalizado se titularía Valses. Es la primera reconstrucción técnica llevada a cabo con la voz de Solís, aún en vida, aunque esto no lo sabrían algunos fanáticos del cantante sino varios años después, gracias a los avances en las técnicas de computación y multimedios que permitieron hacer la comparación posterior.
Al año siguiente (1960), en una nueva gira en Estados Unidos, emprendió un proyecto muy diferente pues grabó boleros con acompañamiento de orquesta de estudio dirigida por quien después sería su amigo, el músico estadounidense Chuck Anderson. Este álbum fue denominado Javier Solís en Nueva York y tenía como fin, según palabras del cantante, ponerlo al nivel de otros artistas de géneros románticos demostrando su versatilidad. Este disco tardaría un tiempo en salir al mercado, debido a la aceptación del cantante como artista del género ranchero.
En 1962 y 1963 graba dos de sus discos más célebres: Fantasía española y Trópico, con canciones del compositor Agustín Lara, convirtiéndose así en uno de sus mejores intérpretes. Con las interpretaciones de Javier Solís inicia una nueva era para la música de mariachi dejando atrás los sones y la temática campirana para incorporar la lírica urbana y las adaptaciones de canciones latinoamericanas, logrando refrescar el género y el interés del público por la música ranchera.
Al iniciarse el año de 1966, Solís emprendió un nuevo proyecto discográfico grabando algunas de las canciones más conocidas de los compositores puertorriqueños Rafael Hernández y Pedro Flores. Sin embargo, debido a sus padecimientos de salud, sólo alcanzó a poner la voz a seis de las ocho pistas preparadas del nuevo álbum, aunque llegó a terminar su otro álbum Javier Solís Con Orquesta.
Enfermedad y fallecimiento[editar]
Por consejo médico, el 12 de abril de 1966, Solís fue hospitalizado en el hospital Santa Elena en la colonia Roma de la Ciudad de México para operarse de la vesícula biliar. De acuerdo a su acta de defunción falleció a las 5:45 a.m. del 19 de abril de 1966 por fallo cardíaco a consecuencia de desquilibrio electrolítico producido por la colecistectomía.7 Sin embargo, hasta el momento, se han recogido 4 diferentes versiones de su enfermedad y fallecimiento, sin que se tenga por válida ninguna de ellas.
El 20 de abril, en medio de manifestaciones de dolor su cuerpo fue inhumado en el lote de actores del Panteón Jardín de la Ciudad de México, donde han permanecido sus restos desde entonces. Poco después, la disquera presentó las canciones dejadas por Solís, añadiéndoles a las pistas de estas interpretaciones recitados escritos por el actor Ángel Fonfrías y declamados por el ya fallecido actor y locutor Guillermo Portillo Acosta. Este último álbum fue denominado Homenaje Inconcluso A Rafael Hernández y Pedro Flores, el cual tuvo tales ventas que años después fue digitalizado. Ese mismo día en varias estaciones de radio del país se entonaron sus mejores temas como Amigo organillero, Sombras, Las rejas no matan y En mi viejo San Juan a manera de homenaje, en la XEW estación a la que se atribuye haber sido la primera emisora en revelar alrededor de las 7:00 horas el deceso del cantante causando gran conmoción en la población y de sus seguidores.
Homenajes discográficos[editar]
Durante un tiempo, CBS Columbia (México) se limitó a reeditar en formatos LP y casette los trabajos anteriores de Solís, hasta que en 1971 la disquera aceptó la propuesta de unir la voz del artista a la de las voces y guitarras del trío Los Panchos en el álbum Dos ídolos cantando juntos. En este disco, fue respetado el estilo original de las grabaciones por lo cual, el acompañamiento con mariachis permaneció en todas las interpretaciones. Poco después, CBS empezó a presentar álbumes de compilación en los cuales fueron incluidas paulatinamente, en los años siguientes, aquellas interpretaciones que se mantuvieron inéditas a la muerte de Solís. Después, hacia 1982 el mexicano Gerardo Reyes unió su voz a la del intérprete fallecido, en el LP Javier Solís y Gerardo Reyes juntos, pero este tuvo escasa trascendencia internacional, ya que Reyes no era muy conocido fuera de México.
En 1994, la misma disquera convenció a la cantante estadounidense Vikki Carr de grabar un homenaje titulado Recuerdo A Javier Solís, en el cual la artista incluyó un dúo en el tema Amanecí en tus brazos con arreglos de Chuck Anderson, amigo entrañable de Javier Solís. Por su parte, en el año 2001, la filial venezolana de Sony Music decidió unir la voz de Solís con la de los integrantes de la Rondalla Venezolana en un concepto semejante al del álbum realizado por el trío Los Panchos, en un CD titulado Javier Solís con La Rondalla Venezolana.
Finalmente, en el año 2003, Sony Music México organizó dos homenajes discográficos al artista: en uno de ellos, reunió las pistas inéditas ya mencionadas bajo el título Las Inéditas de Javier Solís; y en otro, realizado por el productor discográfico argentino Julián "Pelusa" Navarro, 8 titulado Javier Solís con trío (en otros mercados, Éxitos con trío) la voz del artista fue separada de su acompañamiento original y este fue sustituido por un acompañamiento de guitarras y ritmos junto a las voces del grupo Los Nocheros y el trío Los Patricios, ambos argentinos. Este álbum, en el cual el estilo del artista fue desvinculado del bolero ranchero y con gran orquesta, ha sido editado o vendido en pocos países latinoamericanos, pese a que el artista sigue siendo recordado. Se preveían dos discos mas, de este trabajo, pero hasta el momento de redactar esta nota, no habían sido publicados.wikipedia
jueves, 29 de septiembre de 2016
RAY CONNIFF
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Ray Conniff
Ray Conniff.jpg
Datos generales
Nombre real Joseph Raymond Conniff
Nacimiento 6 de noviembre de 1916
Bandera de Estados Unidos Attleboro, Massachusetts, Estados Unidos
Nacionalidad Estadounidense
Muerte 12 de octubre de 2002 (85 años)
Bandera de Estados Unidos Escondido, California, Estados Unidos
Cónyuge Vera Schmidheiny
Hijos Tamara Conniff Schmidheiny
Ocupación Compositor, arreglista, orquestador
Información artística
Género(s) Jazz
Instrumento(s) Trombón
Período de actividad 1938 - 2000
Discográfica(s) Columbia Records
Artistas relacionados Fausto Papetti, Stanley Black, Burt Bacharach, Herb Alpert, Hugo Blanco
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Joseph Raymond Conniff (Attleboro, Massachusetts, 6 de noviembre de 1916 - Escondido, California, 12 de octubre de 2002), más conocido como Ray Conniff, fue un destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal y musical, y trombonista estadounidense. Se caracterizó por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó.
Biografía
Educación musical[editar]
Recibió la educación musical de su padre, también trombonista, y de su madre, que era pianista. Debutó como trombonista en la big band de Bunny Berigan. También estuvo en las orquestas de Bing Crosby, Artie Shaw, Art Hodes y Glen Gray. Después de la Segunda Guerra Mundial trabajó con Harry James. En 1954 entró a formar parte como arreglista de la discográfica Columbia.
Debut con 's Wonderful[editar]
Su álbum debut, 's Wonderful (1956), en el que presentaba a su nueva formación, The Ray Conniff Orchestra and Singers, estuvo en los primeros 20 de las listas norteamericanas durante nueve meses. Sin embargo, fue en los años 1960 cuando comenzó su fama como arreglista y director de orquesta. A partir de entonces inició una fulgurante carrera que le llevó a grabar más de 100 álbumes y vender más de 70 millones de discos en todo el mundo.
Arreglos vocales y musicales[editar]
Ray Conniff destacó sobre los demás directores de orquesta por los arreglos vocales para su coro y los musicales hechos para los variados ritmos de su música. Conniff grabó desde standards de jazz de las big bands de los años 1940 y 1950, hasta clásicos del pop de autores como Simon & Garfunkel, Burt Bacharach, The Beatles y The Carpenters, entre muchos otros.
Popularizó el tema principal de la película Doctor Zhivago (1965), "Lara's theme", una composición de Maurice Jarre que Conniff convirtió en todo un éxito pop con el título "Somewhere my love" y por la que obtuvo un Grammy en 1966.
En 1997, después de estar algo más de 40 años ligado personal y profesionalmente al sello Columbia Records, Ray Conniff firmó un nuevo contrato con PolyGram, multinacional con la que grabó tres álbumes: Ray Conniff live in Rio, I love movies y el tributo a Frank Sinatra titulado My way.
Su afición por la música latinoamericana lo llevó a incluir grandes clásicos como "Bésame mucho", "El día que me quieras", "Frenesí", "Aquellos ojos verdes", "Brasil", "El cóndor pasa" y "Caballo viejo", entre muchos otros. Por lo mismo, Conniff se hizo muy famoso en países latinoamericanos, gracias, en parte, a sus constantes participaciones en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. También grabó varios éxitos del famoso cantautor Camilo Sesto en los años 1980 y tocó en vivo con su orquesta y un coro de ocho personas en grandes estadios de fútbol como en Viña del Mar.
Falleció en Escondido, California, como consecuencia de una caída en el baño, y fue enterrado en el Cementerio Westwood Village Memorial Park, en Los Ángeles, California.1
Discografía[editar]
"'s Wonderful" (1956)
"Dance the Bop!" (1957)
"'s Marvelous" (1957)
"'s Awful Nice" (1958)
"Concert in Rhythm, Vol.1" (1958)
"Broadway in Rhythm" (1958)
"Hollywood in Rhythm" (1958)
"It's The Talk of the Town" (1959)
"Conniff Meets Butterfield" (1959)
"Christmas with Conniff" (1959)
"Concert in Rhythm, Vol.2" (1959)
"Young at Heart" (1960)
"Say It with Music (A Touch of Latin)" (1960)
"Memories Are Made of This" (1960)
"Somebody Loves Me" (1961)
"'S Continental" (1961)
"So Much in Love" (1962)
"Rhapsody in Rhythm" (1962)
"We Wish You a Merry Christmas" (1962)
"The Happy Beat" (1962)
"You Make Me Feel So Young" (1963)
"Speak to Me of Love" (1963)
"Friendly Persuasion" (1964)
"Invisible Tears" (1964)
"Love Affair" (1965)
"Music From 'Mary Poppins', 'The Sound of Music', 'My Fair Lady' & Other Great Movie Themes" (1965)
"Here We Come A-Caroling" (1965)
"Happiness Is" (1965)
"Ray Conniff's World of Hits" (1966)
"En Español" (1966)
"This Is My Song" (1967)
"Ray Conniff's Hawaiian Album" (1967)
"It Must Be Him" (1967, gold álbum)
"Honey" (1968, gold álbum)
"Turn Around Look at Me" (1968)
"I Love How You Love Me" (1968)
"Live Europa Tournee 1969/Concert in Stereo" (1969)
"Jean" (1969)
"Concert In Stereo: Live At 'The Sahara Tahoe'" (1969)
"Bridge Over Troubled Water" (1970)
"We've Only Just Begun" (1970)
"Love Story" (1970)
"Great Contemporary Instrumental Hits" (1971)
"I'd Like to Teach the World to Sing" (1971)
"Love Theme from "The Godfather" (1972)
"Alone Again (Naturally)" (1972)
"I Can See Clearly Now" (1972)
"Ray Conniff in Britain" (1973)
"You Are the Sunshine of My Life" (1973)
"Harmony" (1973)
"The Way We Were" (1973)
"The Happy Sound of Ray Conniff" (1974)
"Ray Conniff In Moscow" (1974)
"Laughter in the Rain" (1975)
"Another Somebody Done Somebody Wrong Song" (1975)
"Love Will Keep Us Together" (1975)
"I Write the Songs" (1975)
"Live in Japan" (1975)
"Send in the Clowns" (1976)
"Theme from 'SWAT' and Other TV Themes" (1976)
"After the Lovin'" (1976)
"Éxitos Latinos" (1977)
"Ray Conniff Plays the Bee Gees and Other Great Hits" (1978)
"I Will Survive" (1979)
"The Perfect '10' Classics" (1980)
"Exclusivamente Latino" (1980)
"Siempre Latino" (1981)
"The Nashville Connection" (1982)
"Musik für Millionen" (1982)
"Amor Amor" (1982)
"Fantástico" (1983)
"Supersónico" (1984)
"Campeones" (1985)
"Say You Say Me" (1986)
"30th Anniversary Edition" (1986)
"Always in My Heart" (1987)
"Interpreta 16 Éxitos De Manuel Alejandro" (1988)
"Ray Conniff Plays Broadway" (1990)
"'S Always Conniff" (1991)
"Latinísimo" (1993)
"40th Anniversary" (1995)
"Live in Río (aka Mi Historia)" (1997)
"I Love Movies" (1997)
"My Way" (1998)
"'S Country" (1999)
"'S Christmas" (1999)
"Do Ray Para O Rei" (2000).WIKIPEDIA
Ray Conniff - QUE NO SE ROMPA LA NOCHE (OTI 1989).mpg
Ray Conniff - QUE NO SE ROMPA LA NOCHE (OTI 1989).mpg
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jueves, 1 de septiembre de 2016
Mundial de tango 2016 en Buenos Aires
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Mundial de tango 2016 en Buenos Aires
Esta edición del TANGO Festival y Mundial de Tango (Baile), organizado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, se realizará alrededor del 12 de Agosto del 2016.
Es el evento tanguero de mayor repercusión internacional, sin duda el mas importante del mundo y reúne durante 10 días a los mejores bailadores de Tango de todo el planeta. Miles de bailarines y público de todo el mundo llegan a la Ciudad para participar y vivir las diversas actividades que ofrece este evento. El certamen sintetiza una pasión que año tras año incrementa sus seguidores no solo en Argentina sino también en el mundo y fortalece el compromiso con el patrimonio histórico, el crecimiento y la proyección del Tango en todas sus expresiones. El crecimiento, proyección e importancia del Tango en el mundo ha logrado tal magnitud que en diciembre de 2009 fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Unas 600.000 personas disfrutaron de la programación 2015 con más de 200 espectáculos gratuitos y parejas de todo el mundo que vinieron a competir al Mundial.
El certamen está dividido entre un concurso de tango y una feria convencional. El concurso se realiza en las salas más prestigiosas de la capital Argentina.
Del mismo modo, pero con carácter local y dentro del ámbito de las milongas, todos los años se realiza el Campeonato de Baile de la Ciudad, que se extiende a lo largo y ancho de la Ciudad, recorre los barrios porteños y cada noche de la competencia concreta una milonga distinta. De esta manera, cada vez más actividades y eventos vinculados al género le dan riqueza a la agenda cultural porteña y enriquecen este bien que resume lo más singular y genuino de nuestras manifestaciones artísticas y culturales, mostrando los rasgos distintivos de la cultura porteña que conjuga la tradición, la renovación y la diversidad de una música que identifica a una Ciudad orgullosamente tanguera.http://www.bailaba.com.ar/mundial-de-tango-2016-en-buenos-aires/
domingo, 28 de agosto de 2016
CANTANTES POPULARES - JUAN GABRIEL
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EN EL DÍA DE SU FALLECIMIENTO
http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2059/Juan%20Gabriel
Nació el 7 de enero de 1950 en Parácuaro, Michoacan.
Hijo de Gabriel Aguilera Rodríguez y de Victoria Valadés Rojas, ambos campesinos.
Bautizado como "Alberto", en honor al personaje de una historia cubana, "El derecho de nacer", llamado Albertico Limonta, de moda gracias a una radionovela de la XEW.
Fue el menor de un total de diez hermanos; Rosa, quien murió casi recién nacida; Virginia, su única y consentida hermana; José Gudalupe, Gabriel, Pablo, Miguel (ya fallecido) y tres rafaeles que también murieron.
Casi recién nacido, su padre quemó un pastizal con la intención de volver a sembrar posteriormente; el fuego invade otras propiedades, y angustiado por el problema, sufre un "shock" y enferma. Tuvo que ser internado en el entonces tristemente célebre nosocomio de "La Castañeda", en la Ciudad de México. Se cuenta que ahí murió aunque hay testigos que dicen que se escapó. Este hecho inspiraría a Juan Gabriel para escribir la canción: "De sol a sol. A los siete meses de edad fue llevado a Ciudad Juárez, donde transcurrió su niñez.
Cuando cuenta cuatro años, ingresa como interno en la escuela de mejoramiento social para menores, más conocida como "El tribunal", donde permaneció por espacio de ocho años. A los siete años de edad conoce a Juan Contreras de Zacatecas, maestro de hojalatería, quien le enseño a trabajar. Consideró a su maestro como un padre. En recuerdo a este hombre, posteriormente adoptaría el nombre de Juan; y Gabriel, en memoria de su padre.
Su primer nombre artístico fue Adán Luna. Entonces debuta con la canción "María la bandida", de José Alfredo Jiménez, acompañado por el mariachi de Gil Soledad y su banda. Antes de Grabar como solista trabajó haciendo coros de grandes figuras de la canción como Roberto Jordán, Angélica María, Estela Núñez y César Costa.
Fue acusado de robo e internado casi año y medio en el penal de Lecumberri. De tal experiencia surgió más tarde la película "Es mi vida", protagonizada por él mismo. Ahí tuvo la oportunidad de conocer, por medio del director de la cárcel, a Queta Jiménez "La Prieta Linda", quien no sólo abogó por él para que fuera puesto en libertad por falta de pruebas, sino que también lo puso en contacto con la RCA para después llevar a cabo sus primeras grabaciones. Fue la primera intérprete que le grabó una canción bajo el título de "Noche a noche". El 11 de junio de 1971 firmó contrato con RCA Víctor e inició la grabación de su primer disco, "Un alma joven", en el que incluyó su primer gran éxito, "No tengo dinero". Antes de ser aceptado en RCA Víctor, lo rechazaron en CBS, Musart y Peerless.
Las canciones "Lágrimas y lluvia", "Mis ojos tristes" y "Amor eterno" las dedicó a la memoria de su madre, quien falleció el 27 de diciembre de 1974. Entre otras propiedades que se le conocen a Juan Gabriel está la vieja y magnífica casona de ciudad Juárez, donde había trabajado su madre en el servicio doméstico.
Por primera vez en la historia de la revista norteamericana Billboard, Juan Gabriel debuta en el Primer lugar del Hot Latin Trak, con el tema "El Palo" del álbum "El México que se nos fue".
En el año 2009, la Academia Latina de la Grabación le nombró "Persona del Año" del Latin Grammy, y según LARAS, ha vendido más de 100 millones de álbumes, además de componer unas 1,500 canciones. Han interpretado sus composiciones los cantantes: Rocío Dúrcal, Isabel Pantoja, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Pimpinela, Chayanne, Marc Anthony, Placido Domingo, Selena, Chavela Vargas y muchos otros más.
Discografia
1978 Baladas
1978 Siempre Estoy Pensando en Ti
1980 Recuerdos
1982 Cosas de Enamorados
1983 Lo Mejor de Juan Gabriel con Mariachi
1983 Todo
1984 Recuerdos 2
1986 Pensamientos
1987 Frente a Frente, Vol. 1
1987 Frente a Frente, Vol. 2
1988 Debo Hacerlo
1990 Juan Gabriel con el Mariachi Vargas de...
1990 Juan Gabriel en el Palacio de Bellas Artes
1992 Con Tu Amor
1992 Te Llegara Mi Olvido
1992 Mis Ojos Tristes
1992 Juan Gabriel La Inspiracion-Angelica Maria...
1992 En el Palacio de Bellas Artes
1994 Gracias Por Esperar
1995 Musipistas
1995 El Mexico Que Se Nos Fue
1996 El Alma Joven
1996 Juan Gabriel con Mariachi
1996 Del Otro Lado
1996 Siempre En Mi Mente
1996 Mejor de Los 3 Grandes
1996 Me Gusta Bailar Contigo
1996 Espectacular
1996 Gabriel, Juan
1996 Me Gusta Bailar Contigo
1997 Juntos Otra Vez
1997 Homenaje a Juan Gabriel
1997 Juan Gabriel
1998 Celebracion De los 25 Años de Juan Gabriel en Bellas Artes
1998 Por Mi Orgullo
1998 Con la Banda...El Recodo
1999 Romanticos!
2000 Querida
2000 Abrázame Muy Fuerte
2001 Por los Siglos
2002 Juan Gabriel en Vivo
2003 Frente a Frente
2003 Inocente de Ti
2004 Por Siempre lo Mejor De
2004 Banda Cacique
2004 Ranchero
2010 Juan Gabriel
2010 Juan Gabriel - Boleros
2011 1 es Juan Gabriel
2012 Celebrando
2014 Mis 40 en Bellas Artes
2015 Los Dúo
2015 Los Dúo 2
Filmografía
Evicted (2000)
Bazar Viena (1990)
Siempre en domingo (1984)
Es mi vida (1982)
Del otro lado del puente (1980)
El Noa Noa (1980)
En esta primavera (1979)
Nobleza ranchera (1977)
*buscabiografias.com
sábado, 20 de agosto de 2016
Murió Horacio Salgán, una leyenda del tango argentino
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INFOSHOW
Murió Horacio Salgán, una leyenda del tango argentino
Fue pianista, compositor y director de orquesta. Tenía 100 años
19 de agosto de 2016
Horacio Salgán tenía 100 años Horacio Salgán tenía 100 años
El pianista Horacio Adolfo Salgán murió en las últimas horas a los 100 años de edad, confirmaron sus allegados. Nacido en Buenos Aires el 15 de junio de 1916, figura entre los máximos referentes del denominado "tango de vanguardia".
Entre los momentos cumbres de su trayectoria figuran el memorable dúo que formó con el guitarrista Ubaldo de Lío y también el Quinteto Real.
En su desempeño como ejecutante musical se destaca su dúo con el mencionado guitarrista, uno de los hitos de la historia del tango y el Quinteto Real, que ambos formaron en la década de 1960 junto a otras grandes figuras del tango, como Enrique Mario Francini (violín), Pedro Laurenz (bandoneón) y Rafael Ferro (contrabajo).
Entre sus obras se destaca el conocido tango A fuego lento. En 2005 recibió el Premio Konex de Brillante, máximo reconocimiento de la Fundación Konex, por su lugar en la Música Popular.INFOBAE
Horacio Salgán
Pianista
Horacio Adolfo Salgán fue un pianista, compositor y director de orquesta argentino, considerado uno de los máximos referentes del tango y uno de los iniciadores del llamado "tango de vanguardia". Wikipedia
Fecha de nacimiento: 15 de junio de 1916, Buenos Aires
Fecha de la muerte: 19 de agosto de 2016
Álbumes: Oratorio Carlos Gardel, Dos Virtuosos Del Piano, Más
Grupo musical: Quinteto Real (1960 – 2003)
Créditos de música de películas: Buenos Aires en camiseta, Más
Canciones
A Fuego Lento
Aquellos tangos camperos
Sobre el pucho
WIKIPEDIA
CLARIN
Clarin.comExtra ShowMúsica19/08/16
Horacio Salgán (1916 - 2016): La excelencia al servicio del tango
Música. Horacio Salgán (1916 - 2016)
A los 100 años, ayer murió el exquisito compositor y excelso pianista tanguero. Venerado por colegas del género y de otras ramas de la música, deja un enorme legado en sus grabaciones y sus arreglos.
Impecable. La trayectoria, el estilo y hasta el blanco traje de Horacio Salgán, un pianista y compositor que trascendió las fronteras del tango. (Foto: Rafael Calviño)
Impecable. La trayectoria, el estilo y hasta el blanco traje de Horacio Salgán, un pianista y compositor que trascendió las fronteras del tango. (Foto: Rafael Calviño)
TAGSHoracio salgán,murió,tango
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Federico Monjeau
El músico que parecía eterno murió ayer a los 100 años, en el Sanatorio Güemes. Había nacido el 15 de junio de 1916 en Buenos Aires, hijo de un pianista aficionado. Horacio Salgán empezó a tocar el instrumento a los seis años, para debutar en público de pantalones cortos en el cine Universal de Villa del Parque, en la era del cine mudo.
Creció en una amplia red de intereses musicales. Bach, Ravel, Beethoven y otros autores clásicos que aprendió en las clases del conservatorio, el jazz, el folclore, la música brasileña. Mulata como el autor, una de sus primeras composiciones oficiales fue un Choro en Fa sostenido.
musica tango tanguero pianista horacio salgan con su orquesta en 1950 se pueden distinguir leopoldo federico, y el cantor angel paya diaz horacio salgan- musica tango tanguero pianista horacio salgan con su orquesta en 1950 se pueden distinguir leopoldo federico, y el cantor angel paya diaz
horacio salgan-
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Salgán no nació dentro del tango. “Mi estilo nace y cobra forma -dijo Salgán a Horacio Ferrer- por un proceso exactamente inverso al de Piazzolla. El plasma el suyo por la necesidad de salirse del tango. Y yo el mío, por la fijación excluyente de querer meterme dentro de él”.
Salgán empezó a entrar en el tango en 1936, cuando Roberto Firpo lo convocó para integrar su orquesta típica. Ese mismo mismo año debutaría como arreglador en la Orquesta de Miguel Caló. En 1944, Salgán presentó su propia orquesta, a la que sumaría las voces de Edmundo Rivero, Oscar Serpa, Jorge Durán.
Mirá también: Una gran legión de herederos
De esa etapa lamentablemente no hay registros. Las primeras grabaciones de Salgán (para RCA) son de comienzos de los años ‘50. Aquella primera versión de Recuerdo, el tango de Pugliese, es toda una declaración inaugural de su arte incomparable, de su ingeniería orquestal y su maravilloso efecto de planos superpuestos. A continuación del solo de piano, hecho de frases desnudas e incisivas, Salgán retoma la bellísima variación para bandoneones de Pugliese y le agrega una línea pianística muy abierta en el registro, agudamente contrapuntística, que crea la sensación de una pequeña pieza dentro de otra.
La orquesta de Salgán dejará además de todo una intensa marca rítmica en el tango, no sólo por el llamado efecto de “candombe”, sino por los variados recursos percusivos creados sin sacrificar el color del tango, desde adentro de la orquesta, por los propios instrumentos, como el “papel de lija” o “chicharra”, que se obtiene frotando el arco detrás del puente y tiene una primera aparición histórica en su propio y bellísimo tango Don Agustín Bardi.
El gran intérprete fue también creador de tangos magistrales, entre ellos A fuego lento y La llamó silbando, este último tan próximo de Revirado de Astor Piazzolla, pero no en sus notas sino en su frescura, su raro humor y su belleza.
Mirá también: Horacio Salgán en la opinión de sus colegas
Es notable comprobar hasta qué punto el estilo de una orquesta está determinado por el instrumento del director, por lo que se podría afirmar que pianistas como Salgán, Di Sarli o Pugliese tuvieron orquestas más bien rítmicas, en tanto las de un bandoneonista como Troilo o de un violinista como Gobbi fueron más bien melódicas. Pero en el caso de Salgán se suma además una ingeniería tal vez única en el tango, compleja y leve al mismo tiempo. Uno podría pensar que esa ingeniería terminaría por expulsar al cantor, como en cierta forma terminó ocurriendo con Piazzolla. Pero no fue así.
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También de los ‘50 son sus primeras grabaciones con Roberto Goyeneche, uno de los documentos más perfectos de toda la historia del tango cantado. Un momento es tal vez el punto más alto de la serie, tanto por la belleza de este vals de Stamponi como por el intercambio entre Salgán y Goyeneche, con ese fraseo que se desarrolla siempre un poco por encima de la marcación de tiempo, ligeramente suspendido; Salgán, por su lado, subraya la propulsión rítmica de vals con ráfagas orquestales exquisitas, que rodean la voz solista sin ahogarla, realzándola de la primera a la última nota. La orquesta de Salgán tiene muchos planos, pero tiene también suficiente aire entre uno y otro.
Mirá también: La música de Salgán, con cantantes y orquesta
El gran pianista Salgán tenía una mentalidad tan orquestal que nunca se lo pudo escuchar en piano solo. La mayor reducción que el maestro se permitió en ese sentido fue el dúo que formó en 1958 con Ubaldo De Lio, el guitarrista que pareció prepararse toda su vida para eso. Fue un invento único y por cierto curiosísimo, una rara forma de motricidad impávida. Ese dúo tiene su origen en el residuo campero de la guitarra y en el gusto de Salgán por las “formas débiles” de la música criolla; y sería además la matriz de otra pequeña orquesta de Salgán: el Quinteto Real, cuando a ese dúo con De Lio en 1960 se sumaron Enrique Mario Francini en violín, Rafael Ferro en contrabajo y Pedro Laurenz en bandoneón.
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Salgán fue además de todo nuestro mayor iluminista musical, el único artista de su generación que escribió un tratado sobre el tango. Aunque, bien mirado, no es tanto un estudio sobre el género, sino sobre un estilo, el suyo propio. Todo el libro es el testimonio de una convicción estilística ejemplar.
No se indaga sobre la naturaleza del tango ni se sigue un estudio histórico de su evolución. Es un estudio de detalles; pianísticos, orquestales, rítmicos. El discurso esencialista sobre el “sentimiento tanguero” está completamente ausente en este sobrio estudio de transiciones, enlaces, buenas fusiones instrumentales o la conveniencia del uso del clarón, acaso el único exotismo orquestal que se permitió este revolucionario pudoroso.
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Horacio Salgán fue venerado dentro y fuera del tango. Daniel Barenboim lo admiraba sin reservas y le dedicó un concierto en homenaje en su última visita. En todas sus visitas en los ‘90 para tocar en el Colón, el gran pianista francés Jean-Yves Thibaudet nunca dejó de ir a escucharlo con su nuevo Quinteto Real en el Club del Vino. “Me impresiona su técnica -decía Thibaudet-, la economía de sus gestos, la posición y la forma de las manos”.
Los restos del maestro son velados desde ayer a la tarde en la casa de sepelios Napolitano, y el cortejo fúnebre partirá hoy a las 11 a Chacarita. A pesar de los ofrecimientos, la familia no quiso velarlo en reparticiones oficiales.
domingo, 14 de agosto de 2016
VOCES JÓVENES Y EXITOSAS DE LA MÚSICA ARGENTINA - CARLOS HABIAGUE
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JOVEN CORDOBÉS DEDICADO AL TANGO. ESCUCHEN SU VOZ EN LOS VÍDEOS QUE SIGUEN...
Carlos Habiague. Sitio Oficial. Home · Biografía · Contacto. Actuaciones. La Falda Tango 2009 (1/2) · La Falda Tango
jueves, 11 de agosto de 2016
HUGO DIAZ
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Hugo Díaz
Nombre real: Díaz, Víctor Hugo
Armonicista y compositor
(10 agosto 1927 - 23 octubre 1977)
Lugar de nacimiento:
Santiago del Estero (Santiago del Estero) Argentina
Por
Néstor Pinsón
e crió escuchando la música folklórica de su pueblo. Era todavía un niño, cuando confesó que su mayor placer era ver tocar a toda una orquesta junta, con el sonido de todos los instrumentos. Así, los fue conociendo uno a uno, a tal punto que se atrevía con varios de ellos. Pero su inclinación fue con la armónica. A los nueve años de edad debutó como solista en una radio de su provincia, Santiago del Estero.
Con el paso del tiempo, se convirtió en un artista extraordinario que revalorizó, con talento mayúsculo, el instrumento elegido. Fue el creador de un modo argentino de tocar la armónica, realizando notables trabajos tanto como ejecutante como compositor Fue un músico con rasgos de genialidad justamente, con un instrumento considerado menor como era la armónica, un pequeño aparato musical que el público no comprendía o que le resultaba difícil de aceptar. Estaba visto como un juguete para niños colado en música para mayores. Y fue más rara avis aún, cuando se metió con el tango.
Fue tal la dimensión de su conocimiento musical, que transitó cómodamente, desde Vivaldi a Jimi Hendrix, desde Ángel Villoldo a Horacio Salgán. Alguien dijo que si un músico proyectaba convertirse en armonicista, debía escuchar a Toots Thielemans y a Hugo Díaz.
Partió hacia Buenos Aires en el año 1944, junto a su amigo Domingo Cura (1929-2004) considerado el más importante percusionista (bombisto) de la historia del folklore nacional, luego cuñado suyo, pues se casó con su hermana Victoria Cura, una cantora de bella voz. En la Capital, lo contrató un músico de jazz y director de orquestas características, Juan Carlos Barbará, que lo presentó como solista durante una temporada en la Confitería Hurlingham.
En 1946, se destaca su presencia en el conjunto folklórico Chacay Manta, que tuvo buena recepción, aunque este género aún no había tenido más que un regular acceso en la Capital, hasta explotar una década más tarde.
El notable arpista paraguayo Félix Pérez Cardozo, con quien trabó amistad, le abrió varias puertas que le permitieron llegar a los estudios de grabación, tras el trajín en numerosas peñas.
A comienzos de los años cincuenta formó un trío junto a su colega de instrumento Luis Saltos, y el guitarrista Norberto Pereyra, a los que se sumó en el canto a su esposa Victoria. Hacen la rutina habitual presentándose en radios, locales nocturnos y haciendo giras por ciudades cercanas, hasta proyectarse a países de Latinoamérica y llegar a los Estados Unidos, donde hacen varias presentaciones que lo llevaran a compartir escenario con Louis Armstrong y Oscar Peterson.
No se detuvieron allí, viajaron a Europa y, en Alemania, arribaron a la ciudad de Leverkusen, donde se encuentra la sede central de la fábrica de instrumentos Hohner, la marca de armónicas utilizadas por Hugo.
En ese lugar fue tan grande el entusiasmo que causó con su talento, que pusieron su fotografía en la sala donde ya estaban las de los consagrados, Thielemans y Larry Adler, máximos exponentes, hasta aquel momento, del instrumento. A raíz de este reconocimiento surgieron muchas oportunidades, la más importante, un contrato para grabar con la orquesta de Waldo de los Ríos en España.
A continuación se sucedieron sus actuaciones en Japón, en países de Medio Oriente, en las ciudades de Roma y de Milán, en esta última ciudad nada menos que en el Teatro de La Scala, junto a personalidades de la lírica.
Su mayor dedicación fue el folklore, género en el que registró alrededor de setenta títulos repartidos en cinco discos de larga duración. También, grabó jazz e incursionó en temas clásicos.
Cuando regresó al país, ya no fue lo mismo. Los ecos de su éxito no habían llegado a nuestras tierras. Salvo para sus seguidores, lo suyo resultaba una curiosidad. Evidentemente el público no estaba preparado para reconocer los valores de su música, en parte, por el prejuicio que despertaba la armónica. No obstante, Hugo continuó su trabajo como el más humilde de los intérpretes. Durante ese período, grabó para los sellos Odeon, TK y Disc Jockey.
El tango tuvo un lugar en su trayectoria y sus discos, con más de 80 versiones, entre éstos se destaca su producción con temas de Carlos Gardel y, en especial, sus recreaciones de “Soledad”, “Volver”, “Cuesta abajo” y “Amores de estudiante”, realmente soberbias. En esa oportunidad contó con la colaboración de los maestros, Roberto Grela, José Colángelo y Omar Murtagh.
En el año 2007, con la dirección de Alberto Larrán, se realizó en su homenaje, un film documental titulado A los cuatro vientos. La película tiene, como no podía ser de otro modo, el fondo musical de su repertorio —entre la que se destaca su siempre requerida “Zamba del ángel”—, muestra fotografías inéditas y brinda los testimonios de amigos y familiares, en especial, el de su hija, Mavi Díaz, quien es la depositaria de su obra y su memoria. La misma que fuera integrante del grupo, Viudas e Hijas de Roque Enroll.
Murió muy joven, con apenas cincuenta años, a raíz de una cirrosis, pero su indiscutible talento todavía nos hace vibrar de emoción cuando lo escuchamos en sus discos.TODO TANGO.COM
lunes, 8 de agosto de 2016
CANTORES POPULARES-ARGENTINA-Jorge Cafrune
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Jorge Cafrune nació en el seno de una familia de origen árabe, en la que sus abuelos paternos y maternos eran inmigrantes provenientes de Siria y El Líbano. Por esa razón recibió el apodo de "El Turco", sobrenombre habitual en la Argentina aplicado a los descendientes de árabes.
Nació en la finca "La Matilde" de El Sunchal, Perico del Carmen, Jujuy. Cursó sus estudios secundarios en San Salvador de Jujuymientras tomaba clases de guitarra con Nicolás Lamadrid. Luego se trasladó con toda su familia a Salta, y allí conoció a Luis Alberto Valdez, Tomás Campos y Gilberto Vaca, con quienes formó su primer grupo: "Las Voces de Huayra". Con esta formación grabó en 1957su primer disco de acetato, en la compañía discográfica salteña "H. y R.". En esa época fueron "descubiertos" por Ariel Ramírez, quien los convocó para acompañarlo en una gira por Mar del Plata y varias provincias. Luego Cafrune y Valdez fueron convocados al Servicio militar y el grupo alternó su formación original con reemplazos de José Eduardo Sauad y Luis Adolfo Rodríguez. Estos nuevos integrantes formarían parte de la formación que ese mismo año grabó un disco de 12 temas para el sello Columbia. Más tarde serían convocados para grabar un segundo disco para la misma compañía, pero desacuerdos entre los integrantes llevaron finalmente a la disolución del grupo.
Ante una nueva convocatoria de Ramírez, Cafrune forma un nuevo grupo, "Los cantores del Alba", acompañado por Tomás Campos,Gilberto Vaca y Javier Pantaleón. Luego de esa presentación, Cafrune decide continuar su camino en solitario y abandona el nuevo grupo. En esta nueva etapa debutó en 1960 en el Centro Argentino de la ciudad de Salta para emprender inmediatamente después una larga gira que lo llevaría por las provincias de Chaco, Corrientes, Entre Ríos y Buenos Aires. Ante una tibia recepción en la Capital, donde no consiguió lugar ni en radio ni televisión, decidió continuar la gira por Uruguay y Brasil. En el primero lograría su debut televisivo, en el Canal 4 del país oriental.
En 1962 regresa a Capital y contacta a Jaime Dávalos, que tenía un programa de televisión. Este le dice que debería probar suerte en el Festival de Cosquín. Cafrune viaja a la ciudadcordobesa y consigue un lugar para actuar fuera de cartel, consagrándose por elección del público como primera revelación. Luego vendría el primer disco en solitario y la consagración definitiva con nuevas presentaciones en radio, televisión y teatros, además de largas giras en las que siempre prefería los pueblos pequeños a las grandes ciudades. Fue en uno de esos pueblitos, Huanguelén, en la provincia de Buenos Aires, donde conoció y promovió a un joven cantor llamado José Larralde. En este período también siguió presentándose cada año en Cosquín y allí, en 1965, sin conocimiento de la organización presentó a una cantante tucumana llamada Mercedes Sosa.
En 1967 presenta la gira "De a caballo por mi Patria", en homenaje al Chacho Peñaloza. En esta gira Cafrune recorrió el país al estilo de los viejos gauchos, llevando su arte y su mensaje a todos los rincones. Sus objetivos también incluían captar los paisajes a través de la fotografía y la filmación de cortometrajes televisivos, además de la recopilación de datos sobre las formas de vida, costumbres, cultura y tradición de las diversas regiones. La gira fue ruinosa para su economía, pero fue un gran éxito si se tienen en cuenta los verdaderos objetivos que se habían propuesto.
Cafrune durante una presentación, a comienzos de la década de 1970.
Al finalizar esta gira, Cafrune fue convocado para integrar unas comitivas artísticas argentinas que visitaron los Estados Unidos y España. El éxito en la península Ibérica fue fabuloso, y Cafrune llegó a radicarse allí por varios años, formando familia con Lourdes López Garzón. Su retorno al país fue en 1977, cuando falleció su padre. Eran tiempos difíciles para la Argentina, ya que el gobierno estaba en manos de ladictadura militar encabezada por Jorge Rafael Videla. A diferencia de otros artistas comprometidos, que se exiliaron cuando comenzaron las amenazas y las prohibiciones, Cafrune decidió quedarse y seguir haciendo lo que mejor sabía hacer: cantar y opinar cantando y haciendo. Fue así que en el festival de Cosquín de enero de 1978 cuando su público le pidió una canción que estaba prohibida, Zamba de mi esperanza, Cafrune accedió argumentando que "aunque no está en el repertorio autorizado, si mi pueblo me la pide, la voy a cantar". Según un testimonio de Teresa Celia Meschiati1 eso fue demasiado para los militares, y en el trístemente célebre centro de concentración clandestino cordobés deLa Perla, el entonces teniente primero Carlos Enrique Villanueva opinó que “había que matarlo para prevenir a los otros”.
El 31 de enero de 1978, a modo de homenaje a José de San Martín, Cafrune emprendió una travesía a caballo para llevar a Yapeyú, lugar de nacimiento del libertador, tierra de Boulogne-sur-Mer, lugar de su fallecimiento. Esa noche, a poco de salir, fue embestido a la altura deBenavídez por una camioneta conducida por un joven de 19 o 20 años, Héctor Emilio Díaz. Cafrune falleció ese mismo día a la medianoche. Si bien se cree que se habría tratado de un asesinato planificado por parte de la Dictadura Militar, el hecho nunca fue esclarecido completamente y quedó sólo como un accidente.2
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