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viernes, 27 de marzo de 2015
Ópera, el arte de las emociones
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http://www.opera-europa.org/es/recursos-de-pera/qu-es-la-pera
¿Qué es la ópera?
Ópera, el arte de las emociones
La ópera es un arte total en el que confluye la música, el canto, la poesía, las artes plásticas y, en ocasiones, la danza. En cada obra todos los componentes de la ópera combinan su expresividad y belleza. Esta compleja alquimia hace que cada función sea un espectáculo extraordinario, monopolizando la vista, el oído, la imaginación y la sensibilidad del público, en el que todas las pasiones humanas están en juego.
El libreto
El libreto es el texto de una ópera. Se puede tratar de una creación original, a menudo escrita por famosos poetas o novelistas (como Hugo von Hofmannsthal y Stefan Zweig para las obras de Richard Strauss), pero también puede ser la adaptación de piezas de teatro (Shakespeare fue una gran fuente de inspiración para los libretistas), cuentos o novelas. Los sujetos que se desarrollan en el libreto son variados: amor prohibido, infidelidad, venganza, sed de poder, la guerra, mitos antiguos o eventos históricos.
Con tales temas, la ópera habita en un universo donde las pasiones humanas explotan. Amor, tragedia y muerte suelen estar en el centro de la acción. Los personajes, a veces se debaten entre sus sentimientos y el deber, se enfrentan a situaciones extraordinarias y se dejan llevar por la exacerbación del sentimiento. Este exceso de ardor les consume, y suele llevar a cometer actos de violencia y, a veces, hasta la muerte. Amor a primera vista, el sacrificio, el encanto, el coraje, el suicidio y el asesinato cohabitan en el libreto. Algunos personajes son castigados por sus crímenes, otros encuentran la redención o se ven afectados por el remordimiento ... pero a veces, ¡también hay un final feliz!
El canto
A diferencia del teatro, el texto en las óperas se canta. La emoción y la intensidad del canto tienen un impacto directo en el peso y sentido de las palabras.
Hay diferentes voces clasificadas en seis principales categorías, desde las más agudas hasta las más graves: soprano, mezzo-soprano y contralto para las mujeres; tenor, barítono y bajo para los hombres. Además, las voces se caracterizan igualmente por su poder y agilidad: pueden ser ligeras, líricas o dramáticas. Una voz ligera no suele ser muy intensa, pero puede llegar fácilmente a notas agudas y vocalizar, a diferencia de una voz muy dramática, que si es muy fuerte, pero no tan ágil.
Las voces se asocian generalmente al tipo de roles para empatizar algunos de los aspectos de los personajes,ya sea su personalidad o su naturaleza. En la ópera Carmen de Bizet, Carmen es una seductora indomable que ha visto mucho mundo. Por este motivo lo canta una mezzo-soprano, una voz profunda y cálida. En el otro extremo podríamos tener a Gilda, en la ópera Rigoletto de Verdi, que lo interpretan las sopranos líricas, pues una voz clara y aguda simboliza la pureza e inocencia del personaje.
Puede darle un vistazo a la sección “Glosario” para saber más sobre las voces operísticas.
La música
La música expresa de otra manera las emociones y la acción que tiene lugar en el escenario. En la mente de la Camerata fiorentina (consulte la página "Historia"), cuyas investigaciones y estudios sobre el teatro griego clásico les condujeron a la creación del género operístico, la música estaba al servicio del libreto: “Prima le parole, dopo la musica” (“las palabras primero, la música después”). Pero esta concepción es cuestionable. Se trata de una discusión antigua y permanente: según las épocas, el libreto y la música han ido alternando su primacía.
En realidad, la música no sólo sirve al libreto y al canto: los completa y exalta, poniendo de relieve la intensidad de las situaciones, pasiones y sentimientos de los personajes.
Al jugar con los ritmos, tonos, melodías y matices, los compositores aprovechan el extraordinario poder de sugestión de la música con el fin de crear atmósferas particulares, que las letras o la puesta en escena solamente no pueden crear. Algunos autores utilizan motivos musicales recurrentes para representar un carácter, una emoción o un concepto. En el preludio de El oro del Rin, Wagner logra relatar el nacimiento del Rin. La ópera comienza con un acorde único que emerge lentamente de silencio y resuena en las profundidades infinitas: el Rin sale del caos primigenio. Poco a poco los motivos se van uniendo a este acorde inicial, hasta la creación de una melodía: primero los instrumentos de metal, con un sonido majestuoso, luego los de cuerda, más etéreos, como si fueran espuma en la superficie del río. Cuanto más se anima la orquesta y se enriquece este preludio, más rápidos se vuelven los motivos, como si el mismo Rin se agitara hasta formar espuma.
La música está más allá de las palabras. Se dirige directamente al corazón del público y atrae tanto su sensibilidad como su imaginación.
La puesta en escena
Antes del siglo XX, la dimensión teatral de la ópera era marginal. En el siglo XVII, las representaciones eran más bien estáticas, pareciéndose más a un concierto con vestuario. La puesta en escena ganó importancia cuando la programación de los teatros de ópera se centró más en el repertorio existente que en nuevas creaciones. Sólo es en el siglo XX que el canto y la puesta en escena empiezan a ser vistos con la misma importancia.
Los escenarios operísticos, sin embargo, han sido siempre fascinantes, con espectaculares efectos visuales y gran maquinaria. Las posibilidades escénicas se beneficiaron del desarrollo tecnológico, y hoy en día los efectos especiales, tecnología digital y las proyecciones visuales se usan en muchas de las producciones.
Un montaje no es una simple ilustración de una obra, pues requiere un concepto o un sentido. El director sugiere una visión para una ópera. Este punto de vista puede estar cerca del libreto y de las concepciones del autor, o puede ser una interpretación más personal. Algunos directores de escena transponen la acción en otra era, en otras situaciones o en un contexto intemporal e inmaterial.
Estas transposiciones ponen de manifiesto ciertas dimensiones de las obras y enriquecen su significado revelando aspectos desconocidos. Por ejemplo, en una producción moderna, los temas que suceden en una ópera barroca pueden presentarse de un modo muy actual. Estas perspectivas cambian la manera en que el público percibe y comprende las obras. De esta manera, la ópera se recrea y se reinventa constantemente. Antes que suba el telón, nadie sabe qué sucederá en escena. Esto es lo que hace la ópera tan emocionante.
domingo, 22 de marzo de 2015
Los cinco teatros de ópera más imponentes del mundo Alana Gorski Por: Alana Gorski agorski@infobae.com Son verdaderos palacios de la música. Se destacan por su diseño, arquitectura y acústica
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Los cinco teatros de ópera más imponentes del mundo
Alana Gorski
Por: Alana Gorski agorski@infobae.com
Son verdaderos palacios de la música. Se destacan por su diseño, arquitectura y acústica. Infobae recopila los más destacados
Son verdaderos palacios de la música. Se destacan por su diseño, arquitectura y acústica. Infobae recopila los más destacados
http://www.infobae.com/2015/03/22/1717266-los-cinco-teatros-opera-mas-imponentes-del-mundo
La Filarmónica de París, el Palacio de la Música Catalana, el Teatro la Fenice, la Ópera Garnier y la Ópera de Budapest son verdaderos palacios de la música. Responden a diferentes períodos de tiempo en escenarios diversos, por ello presentan arquitecturas tan características. Pero la belleza de éstos lugares no sólo radica en su esplendor, sino también en el significado que adquirieron para la sociedad. Han sido, y siguen siendo, lugares de reuniones, celebraciones culturales y de gran magnitud emotiva.
Exceptuando a la Filarmónica de París - cuya apertura es muy reciente- estos salones de concierto han logrado verdaderos espacios de encuentro que supieron perdurar en el tiempo. "En definitiva, los teatros y este tipo de salas son eso: edificios que no sólo ponen en valor la obra en sí misma, sino que también le agregan valor al intercambio que allí se genera entre las personas que asisten a los diferentes eventos", explica a Infobae el arquitecto Martín Imbern.
¿Cuál es el secreto de su acústica? Hay una serie de proporciones básicas que se deben respetar a la hora del diseño, no sólo por cuestiones de sonido sino también visuales, en pos de brindar una experiencia satisfactoria al público. Según señala Imbern, la asistencia de especialistas en arte es esencial para el éxito del diseño, sobre todo para no romper con las configuraciones más tradicionales. Además, la elección de materiales de revestimiento es fundamental para que la acústica perdure.
Infobae recopila algunos de los auditorios más imponentes y por qué
La filarmónica de París
El majestuoso auditorio fue remodelado en enero de 2015 y abrió sus puertas al público de forma gratuita. A la apertura asistieron numerosas figuras del ámbito político y social de Francia, entre ellos, el presidente Francois Hollande.
El lugar fue rediseñado por el arquitecto Jean Nouvel. La sala, que cuenta con una capacidad para 2400 personas, podrá contar con todo tipo de conciertos, no sólo sinfónicos, sino también con géneros de música amplificada, como el jazz. Todo su interior está ideado para que los espectadores puedan disfrutar de la acústica y visual del lugar. Para eso se colocaron balcones "flotantes" que permiten generar un vínculo más íntimo entre el público y la orquesta.
El objetivo principal fue resaltar su característica más fuerte: la calidad sonora. La acústica fue desarrollada por la empresa Marshall Day Acoustics, una de las más importantes del mundo en éste rubro.
Palacio de la música Catalana
Fue construido por Lluís Doménech i Montaner a principios del 1900, financiado con fondos que provenían de la suscripción popular, y pensado como sede del Orfeo Catalán. El diseño gira en torno a una estructura central metálica que está recubierta de vidrio, lo que permite que la luz natural realce ésta magnifica obra.
El diseño interior posee vitrales y varias figuras que le dan un aire místico al lugar, por ejemplo, musas que rodean el escenario, un busto de Beethoven y Anselm Clavé, flores, jarrones vitrinas llenas de joyas y valquirias de Wagner colocadas en el techo.
Además de la sala principal, cuenta con el Petit Palau, inaugurado en 2004, un auditorio ideado para pequeñas funciones ya que cuenta con gran tecnología y excelente acústica.
El 4 diciembre de diciembre de 1997 fue declarado Patrimonio Mundial por las UNESCO y también constituye parte de la simbología del pueblo catalán.
Teatro la Fenice
Es uno de los auditorios más famosos de Europa y desde sus inicios funcionó como el teatro oficial de la aristocracia de Venecia. El arquitecto a cargo de su construcción fue Giannantonio Selva en 1972.
En un primer momento en el lugar se encontraba el teatro de San Benedetto que fue destruido por el fuego y reducido a los escombros. Es por eso que se decidió construir una nueva casa de ópera en ese lugar y llamarlo la Fenice, que significa "el fénix", para hacer referencia a la supervivencia de la primera edificación.
Actualmente posee vestíbulos de mármol, una imponente escalera, molduras, estucos, yesos recubiertos con láminas de oro y frescos. Todo realizado según técnicas empleadas en el siglo XVII.
Opera Garnier
Conocida también como Palacio Garnier u Ópera de París fue el sitio que inspiró la famosa obra "El fantasma de la ópera". Su estilo es neobarroco y conforma la ópera nacional de París junto con la Ópera de la Bastilla.
Para su construcción se organizó un concurso en el que participaron cerca de 170 arquitectos y que dio como ganador a Charles Garnier. El por entonces joven profesional, se encargó de plasmar el lujo al extremo.
En el interior del lugar encontramos los "foyers"- cuartos grandes y extensos adyacentes al auditorio- decorados con mosaico, panes de oro y una escalera magnífica de mármol blanco .
El salón de espectáculos, que posee un total de 1900 asientos, se encuentra decorada con tonalidades doradas y coloradas e iluminado por una araña de cristal que permite que se vean las pinturas realizadas en el techo.
La ópera de Budapest
También conocida como la Ópera Nacional de Hungría, es considerado una de los sitios con mejor acústica del mundo. Se halla en la sección Pest de Budapest. El lugar fue construido por Miklos Ybl y abierto en 1884.
Su fachada presenta un estilo neo renacentista en donde se pueden encontrar esculturas de los compositores y músicos más importantes de Hungría como por ejemplo, Ferenc Erkel. Una de sus principales características es su forma de "herradura", característica que se aprecia en cada una de las aberturas del lugar, ya sean puertas o ventanas. Además sus terminaciones en mármol y bronce le dan un estilo distintivo junto a las pinturas que revisten los techos de éste auditorio.
En un principio, la capacidad de espectadores del auditorio era de 2400, reduciéndose a unos 1300 aproximadamente en la actualidad. Lo más sobresaliente de la sala es la cúpula central decorada con un enorme fresco y el palco de la realeza que está decorado con esculturas que simbolizan las 4 voces de la ópera: soprano, tenor, bajo y contralto.
domingo, 15 de marzo de 2015
Rusia El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia
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Música popular
La música popular, en su sentido más amplio, se refiere a una serie de géneros musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con la música culta, como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden académicamente o por vía oral, a audiencias locales, o más pequeñas.
La aplicación original del término fue adoptada en la década de 1880 en el período conocido como Tin Pan Alley en los Estados Unidos
La historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y su ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha venido siendo habitual a Occidente, donde se ha utilizado la expresión "historia de la música" para referirse a la historia de la música europea y su evolución en el mundo occidental.
La música de una cultura está estrechamente relacionada con otros aspectos de la cultura, como la organizacióneconómica, el desarrollo técnico, la actitud de los compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticas más generalizadas de cada comunidad y la visión acerca de la función del arte en la sociedad, así como las variantes biográficas de cada autor.
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según algunos estudios, mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más de 50 000 años.1 Es por tanto una manifestación cultural universal.
Rusia
El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su ópera Una vida para el zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados en la cultura rusa. Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski El convidado de piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.
Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una vez depurado su estilo de composición en relación con sus estudios posteriores, despertó una gran atención tanto en su país como en el extranjero. Sus operas rusas ofrecían una síntesis de composición occidental pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico.
§El Grupo de los Cinco[editar]
Artículo principal: Los Cinco (compositores)
De este grupo de cinco, solo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev, ambos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composición En las estepas de Asia Central y por Bailes polovtsianos de su ópera Príncipe Ígor.
Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa, tan características en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La noche en el Monte Calvo y Cuadros de una exposición, que posteriormente llamaron la atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas.
El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó su trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más improtantes fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. También utiliza elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua rusa e influencias de la música tradicional asturiana o andaluza en su Capricho español.
Piotr Ilich Chaikovski fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música de tres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Obras como la obertura de Marcha eslava, y Capricho italianoubican definitivamente a Tchaikovsky dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a menudo que se consideran entre las obras más famosas jamás construidas.WIKIPEDIA
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BAILES TRADICIONALES RUSOS
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BAILES TRADICIONALES RUSOS
Bailes tradicionales rusos
RIA Novosti / Borís Barabánov
El baile es una modalidad de expresión corporal y artística muy arraigada en la conciencia y las tradiciones populares rusas. Es prácticamente imposible enumerar la cantidad de diferentes bailes y danzas que existían en la Rusia antigua y los que siguen existiendo hasta hoy día. Llevan nombres muy diferentes según la canción con la que se baile (por ejemplo, la denominación de los bailes seni y kamárinskaya provienen de sendas canciones con el mismo nombre; seni en ruso significa parte de la antigua casa rusa entre la entrada y el salón; y kamárinskaya recibió su nombre por un distrito rural en la Rusia zarista cerca de la actual provincia de Moscú), por la cantidad de bailarines (párnaya, por parejas, chetviórka de cuatro) y algunas veces por el dibujo del baile (pleten, de seto; vorotzá, de vorota, puertas grandes). Pero todos estos bailes tan diferentes en su modalidad interpretativa tienen algo en común, algo muy propio de cualquier baile típico ruso: la amplitud de movimiento, el arrojo, una especial jovialidad, poesía, combinación de modestia y simplicidad con un gran sentido de la propia voluntad.
El baile ruso no es símbolo del pasado. Todas sus formas —jorovod, kadril, etc.— existen hasta hoy, en un proceso de transformación continua de acuerdo con las exigencias de la vida contemporánea. Sus movimientos revelan las líneas del carácter nacional ruso. La danza originaria expresa la fuerza y el poder del hombre ruso, su valentía y coraje, ingenio, atención y respeto hacia la mujer. Para las danzas femeninas son propias la ligereza y suavidad, seriedad y modestia, rigurosidad y sencillez, una noble continencia en la expresión de sentimientos y de su propia dignidad, algunas veces vivacidad, gracejo y coquetería que no llegan a ser melindrosos. El arte nacional del baile ruso se basa en los juegos populares, antiguas ceremonias, canciones y corros.
Las crónicas y obras literarias antiguas del siglo XI describen bailes populares rusos.
La adopción del cristianismo contribuyó al desarrollo de la cultura y el arte popular. Para el desarrollo de la danza ha sido muy importante la labor de los skomoroji, artistas callejeros que viajaban y se compenetraban con las peculiaridades artísticas de los habitantes locales en diferentes zonas del país. De este modo el skomoroshestvo (juglaría) en la Rusia antigua desempeñó un papel crucial en la formación de la coreografía popular. Precisamente en aquellos tiempos aparecieron las formas escénicas de los bailes populares.
A mediados del siglo XVI el aumento de la influencia religiosa en la vida seglar repercutió negativamente en el arte popular. Viendo en las danzas populares reminiscencias del paganismo, la Iglesia contuvo a los músicos, los bailarines y los cantantes. En el siglo XVII el zar Alejo I promulgó un decreto que posibilitó las represalias contra los skomoroji. Pero ninguna prohibición podría “ahogar” el amor de la población por los bailes y los cantos que continuaban viviendo con el pueblo y desarrollándose prolijamente.
El siglo XVIII es la época relacionada con el nombre de Pedro I, el incansable reformista. Durante aquel período tuvieron lugar profundas transformaciones en la cultura y con estas el baile adquirió un carácter más laico. Mientras tanto los bailes populares no solo se conservaban, sino que desarrollaban nuevas formas.
Tras la Revolución de Octubre de 1917 comenzaron a proliferar nuevas manifestaciones del arte coreográfico en compañías profesionales o colectividades de aficionados. La afición artística fue un peculiar continuador y sucesor de la tradición. Si anteriormente los bailes rusos se interpretaban durante las fiestas, juegos populares y bodas, desde aquel momento empezaron a ocupar un lugar muy importante en el repertorio de teatros profesionales.
sábado, 14 de marzo de 2015
Siglo 20 y el modernismo Rusia y el Ballets Russes
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Siglo 20 y el modernismo
Rusia y el Ballets Russes
Anna Pavlova como una bacante en The Seasons (ballet) por Marius Petipa y Alexander Glazunov.
Vaslav Nijinsky en The Spectre of the Rose, 1911.
trajo el ballet a Paris cuando él abrió su compañía, Ballets Russes. Estaba compuesto por bailarines de la comunidad francesa que habían sido exiliados de la Revolución Rusa.
Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky fusionaron sus talentos para traer el folklore ruso a en "El pájaro de fuego" y " Petrushka con coreografía de Fokine. Otra coreografía de Diaghilev fue dada a Nijinsky . Su primera pieza de ballet fue L'apres-midi d'un Faune (Afternoon of a Faun) con música de Debussy. La presentación con más controversia del Ballets Russes fue "The Rite of Spri ", coreografiado por Nijinsky con música de Stravinsky. La música moderna de ballet, las nuevas posturas de los pies y el tema de los sacrificios humanos creo en el público un sentimiento de desagrado.
Después de la "edad de oro" de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en San Petersburgo , pero se mudó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Russes.
El Ballet ruso continuó su desarrollo bajo el dominio soviético. Quedaba poco talento después de la revolución, pero esa pequeña porción de talento hizo que se expandiera a las otras generaciones. Después de un estancamiento en la década de 1920, a mediados de la década de 1930 la nueva generación de bailarines y coreógrafos apareció en escena. Se promovió la perfección en la técnica y la precisión en la danza. Agrippina Vaganova, quien fue entrenado por Petipa y Cecchetti, encabezando la Academia de Ballet Vaganova. Esta escuela fue diseñada para entrenar a bailarines para el Ballet Kirov en San Petersburgo/Leningrado.
El ballet obtuvo una buena posición en el gusto del público. Las compañías de Moscow-based Bolshoi y la de St. Petersburg-based kirov fueron muy populares en el público.
Algunas piezas de la época tuvieron un gran impacto como la de "Romeo y Julieta" producido por Prokofiev y Lavrovsky. La pieza, Llamas de Paris", muestra todas las facetas del arte realista socialista. La pieza "Fuente de Bakhchisara" con música de Boris Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov fue todo un éxito.
El ballet reconocido de "La Cenicienta", en la cual Prokofiev creó la música, también fue creación del ballet soviético. Durante la era soviética, estas piezas en su mayoría eran desconocidas. Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética estas piezas obtuvieron una gran popularidad.
En 1999 se llevó a cabo el estreno de la pieza "The Fountain of Bakhchisarai" por el Ballet Kirov en Nueva York. La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la técnica, el talento y la fuerza. Se exigía la fuerza para todos los nuevos bailarines occidentales novatos. Cuando se ve los archivo que se pudieron recuperar, se pode ver la gran técnica y talentos de bailarines como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya y Maya Plisetskaya y coreógrafos como Pyotr Gusev.
Las empresas rusas, en particular después de la Segunda Guerra Mundial, tuvieron muchas presentaciones alrededor del mundo. Rusia.
ARGENTINA Y EL BALLET RUSO
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Rusia
Mikhail Mordkin como príncipe de Siegfried y Adelaide Giuri as Odette con estudiantes de como pequeños cisnes en el Teatro Imperaial Bolshoi de Moscú. Producción de Petipa/Ivanov/Tchaikovsky Lago de lo cisnes. 1901
Mientras que Francia jugó un papel decisivo en el ballet, otros países y culturas adoptaron pronto esta forma de arte, sobre todo Rusia. Rusia tiene una gran tradición de ballet, y el ballet ruso ha tenido una gran importancia en su país a lo largo de la historia. Después de 1850 , el ballet comenzó a disminuir su fervor en París, pero comenzó a tener más popularidad en Dinamarca y Rusia gracias a maestros como August Bournonville, Jules Perrot , Arthur Saint- Léon, Enrico Cecchetti y Marius Petipa. A finales del siglo XIX, el orientalismo estaba de moda. El colonialismo trajo a la vista las culturas de Asia y África, pero no tenían una buena consistencia debido a la malos recursos de información y la fantasía.El este era percibido como un lugar muy lejando en donde todo era posbile, siempre era espléndido, exótico y decadente. Petipa siguió el gusto popular produciendo " La hija del Faraón" (1862), y más tarde "El talismán" (1889 ) y "La Bayadère" (1877 ). Petipa es recordado por sus colaboraciones en "Tchaikovsky". Él utilizó una música especial para su coreografía del "Cascanueces" (1892) , de "La Bella Durmiente" (1890 ) , y el "Lago de los Cisnes" (1895) . Estas obras fueron influenciadas por el folklore europeo.
Las bailarinas clásicas comenzaron a usar tutus, que eran faldas cortas con muchas capas de crinolina o tul que mostraban la mayor parte de sus piernas.
El ballet alcanza un "Mundo Nuevo"[editar]
Compañías de ballet de Europa comenzaron giras lucrativas en los teatros de Norteamérica, Centroamérica y América del Sur, a mediados del siglo 19 . El prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, ha sido sede de bailarines extranjeros.26 Por la década de 1880, el Teatro Colón tuvo su propia compañía de ballet profesional.
Siglo 20 y el modernismo[editar]
Nikolai Rimsky Korsakov Sinfonia Rusa en Maxima Expresión
ArribaIppolitov-Ivanov, Mikhail Mikhaylovich (1859 - 1935)
Rubinstein, Anton (1829 -1894)
Rakhmaninov
ArribaTchaikovsky, Pyotr Il'yich (1840 - 1893)
La Escuela Rusa
RUSIA - La música tradicional rusa
viernes, 13 de marzo de 2015
Spanish Brass Luur Metalls
MÚSICA ANDINA
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"Quirquinchito Charanguito", de Savia Andina
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