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miércoles, 22 de junio de 2016
Ludovico Einaudi
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Ludovico Einaudi ~~~~
Ludovico Einaudi
Ludovico Einaudi ep.jpg
Einaudi en diciembre de 2012
Datos generales
Nacimiento 23 de noviembre 1955
Bandera de Italia Turín, Italia
Nacionalidad Italiana
Ocupación Músico y compositor
Información artística
Género(s) Música minimalista
Instrumento(s) Piano
Período de actividad 1980 - actualidad
Discográfica(s) Decca Records, Universal Music Group, Ponderosa Music and Art
Web
Sitio web Sitio web
Ficha Ludovico Einaudi en IMDb
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Ludovico Einaudi (Turín, 23 de noviembre de 1955) es un compositor y pianista italiano que destaca por el desarrollo de frases melodiosas en sus composiciones para piano. Representa uno de los éxitos de la música new age de los últimos años, no sólo por las ventas de discos, también por los conciertos realizados por todo el mundo.
WIKIPEDIA
Biografía[editar]
Hijo del editor e intelectual italiano Giulio Einaudi y nieto de Luigi Einaudi que fue presidente de la república italiana del periodo 1948 al 1955; de niño su madre tocaba el piano con él. En 1982 se diploma en composición en el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán con Azio Corghi. Ese mismo año recibe una beca para el Tanglewood Festival de Estados Unidos y continúa sus estudios con Luciano Berio. Tras pasar varios años componiendo en formas tradicionales, en 1986 comienza la búsqueda de un lenguaje musical más libre y personal a través de una serie de trabajos para danza, multimedia y más tarde para piano.
Ha realizado bastantes trabajos para el mundo del cine, recibiendo varios galardones internacionales :
Grulla de oro por la banda sonora de Acquario en 1998
Echo Klassik por la banda sonora de Fuori dal mondo en 2002
Mejor banda sonora en los premio de la música italiana en 2002 por Luce dei miei occhi
Mejor banda sonora en el Festival de Aviñón en 2004 por Sotto falso nome
Actualmente reside en la región italiana de Piamonte.
Música[editar]
Ludovico Einaudi2.jpg
Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva. Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: “En general no me gustan las definiciones, pero ‘Minimalista’ es un término que significa elegancia y sinceridad, por lo tanto prefiero ser llamado minimalista a cualquier otra cosa”. Al igual que otros compositores minimal posmodernos, como Michael Nyman, Arvo Pärt, Brian Eno o Michael Hoppé, Einaudi está influido por Eric Satie, que puede considerarse como un precursor de este movimiento o estilo, del mismo modo que en pintura Edvard Munch lo fue para el expresionismo.
Ludovico Einaudi3.jpg
El productor del programa radiofónico "Hearts of Space", Stephen Hill, ha incluido en varios de sus programas recientes, parte de la obra de Ludovico Einaudi. El mismo Hill, lo ha catalogado un "minimalista contemplativo" y le ha dedicado un programa denominado "Divenire" como el título de uno de sus albums. En este programa, se incluyen piezas musicales de sus álbumes "Divenire", "I Giorni", "Le Onde", "Stanze", "Eden Roc" y "Sotto Falso Nome".
En 2011 dejó de ser un compositor para melómanos y minorías aficionadas al minimal y saltó a la popularidad mediática por ser el compositor de la banda sonora original de la película francesa Intocable, de Olivier Nakache y Eric Toledano.
Discografía y obra completa[editar]
Álbumes[editar]
Time Out (1988)
Salgari (1995)
Le Onde (1996)
Stanze (1997)
Fuori dal mondo (1998)
Eden Roc (1999)
I giorni (2001)
Dr. Zhivago (2002)
La Scala Concert (2003)
Diario Mali (2003)
Una Mattina (2004)
Divenire (2006)
NightBook (2009)
La notte della Taranta (2010)
Islands (2011)
In a Time Lapse (2013)
Project Taranta (2015)
Elements (2015)
Composiciones para cine y televisión[editar]
Treno di panna (Cream Train) (1988)
Da qualche parte in città (Somewhere in the City) (1994)
Acquario (1996)
Abril (1998)
Fuera del mundo (1999)
Giorni dispari (2000)
La Vita altrui (The Other's Life) (2000)
Luigi Einaudi: Diario dall'esilio svizzero (2000)
Un Delitto impossibile (An Impossible Crime) (2001)
Luce dei miei occhi (Light of My Eyes) (2001)
Alexandria (2001)
Le Parole di mio padre (The Words of My Father) (2002)
Doctor Zhivago (2002) (serie de TV)
Sotto falso nome (Under a False Name) (2004)
Mussolini, Churchill e cartoline (documental) (2004)
"Una Mattina" ( Intouchables) Film:Amigos Intocables (2004)
This is England (2006)
Intouchables (2011)
Mommy (2014)
Samba (2015)
Música de cámara[editar]
Ai margini dell'aria (1982)
Altissimo (1984)
Crossing (1985)
Ottetto (1985)
Canone (1987)
Duetti nn.1/5 (1988)
Echi (1989)
Corale (1989)
At a slow walking pace (1989)
Stanze (1992)
Moto Perpetuo (1993)
Quattro Passi (1993)
Talea (1993)
Metamorfosi (1993)
The Apple Tree (1995)
Canto para violonchelo (1996)
Le Onde (1996)
Zoom (1996)
Arie (1998)
Nessuno (1998)
Orquesta[editar]
Per vie d'acqua (1981)
Rondo (1982)
Altissimo (1984)
Crossing (1985)
Movimento (1986)
Contatti (1988)
Chatrang Overture (1995)
Salgari suite from the ballet (1995)
Selim (1997)
Divenire (2002)
Teatro y danza[editar]
Sul Filo di Orfeo (1983)
Time Out (1988)
The Emperor (1991)
Salgari (1993)
Edgar Allan Poe (1997)
lunes, 20 de junio de 2016
DE DÓNDE PROVIENE EL NOMBRE "PERICÓN"
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La voz de este adquiere un sentido anterior de confusión, fiesta, lucha, etc., pero conocida su primitiva aceptación de "bastonero" y su posterior aplicación a la danza que requería un conductor, es claro que el significado que se le daba proviene de las evoluciones del mismo. Por eso, la aparición de la palabra "Pericón" en los documentos, indica que la danza es anterior. La danza se bailaba pasado el medio siglo, en la campaña del este argentino. Y es probable que también en salones de familias tradicionalistas haya sobrevivido.
Origen:
Parece ser la forma acriollada de algún baile cortesano. Se bailaba hasta hace unos cincuenta años en la campaña argentina y especialmente en la provincia de Buenos Aires. Es difícil saber como se bailaba. Como todas las danzas cortesanas, es lenta y acompañada. El Pericón tal como hoy se baila, parece ser una parodia de su forma original.
¿Qué parentesco puede tener el “Pericón”, danza patricia, con el avestruz?… El Pericón es el baile del avestruz, los movimientos de las parejas, haciéndose gambetas, cuerpeándose en “la cadena” con la elegancia de los avestruces que abren las alas y se esponjan y estiran el pescuezo, y se inclinan al suelo en reverencias llenas de solemnidad cuando buscan piedritas o cuando los espantan. El negro bailando el Pericón fué, quizás, el primero que en su fantasía de africano asoció a su danza la imagen del ñandú.
Como complementos se usaban la guitarra, castañeteos y juegos de pañuelos. El nombre, según unos, derivó del nombre pericón con el que se designaba al bastonero, director del baile. Otros lo atribuyen al nombre pericón que se daba a ciertos abanicos de gran tamaño.
Muy criollas y muy patrióticas… pero habría que dejar de ningunear el aporte negro. Aquellos negros criados por patricios silbaban óperas, acomodaban músicas y le ponían melodía a la espiritualidad campera. A una persona le podrás negar bienes, pero no le podés escamotear arte. Por suerte el gauchaje no era racista.
Lo de los “cielitos” orientales es otra cosa, más ceñida a un peluquero y aplicador de sanguijuelas como Bartolomé Hidalgo, quien entre sangrado y sangrado entraba en la historia arengando con su poesía. Aún así, también en los “cielitos” hay aporte africano. No se salva ni el pericón y antes de enojarte con el autor –porque también hay que soportar esas cosas cuando de estos temas se trata–, leé a Vicente Rossi un erudito difícil de desmentir. Reconozcamos que suena un poco exagerado; pero en lo que insiste Rossi es que, habrá otros orígenes, pero siempre aparece el aporte cultural de esa colectividad.
El tema da para mucho más que ese apunte, pues nuestros criollos que también bailaban por un sueño, si no le sacaban viruta al piso, se conformaban con levantar la polvareda; sentados no se quedaban.http://viajes.elpais.com.uy/2014/08/07/danzas-criollas-de-donde-salieron/
Decía Fray Mocho (Arg. 1858-1903)
El gaucho es un hombre muy triste.Triste. Silencioso. Trágico… Su vida de guerrero, de perseguido, de solitario le obligaba a ser triste y a no sacar de su boca las palabras. Pero, un día aparecieron en el campo los negros. El gaucho los oyó desde lejos modular sus cánticos a la sombra de un árbol o contra la reja de la pulpería. Es posible que el mutuo dolor de soledad pusiera en contacto al gaucho con el negro. Lo cierto es que el gaucho negro de cara blanca tradujo en su guitarra la música que el negro traía en su canción.
El Fandango
EL primer baile que se bailó en el rancho fué, sin duda, el Fandango y, luego, el Fandanguillo. Ventura Lynch parece atribuirle origen andaluz por ‘ su parentesco con el Bolero y con la Jota. El Fandango como melodía aparece en el año de 1705 y su descripción como baile es mencionada en el año 1712 por el sacerdote español Martin Marti. Afirman que es un baile morisco, introducido por los portugueses en las provincias del Río de la Plata. Según Rossi, los negros dominaron el Fandango “como cosa propia”.
Durante el coloniaje imperaba en el campo. De las pulperías y de los bailongos pasó a la capital. Invadió las tertulias de “la chusma”. Se filtró en las reuniones de las gentes humildes. Triunfó, a escondidas, en los hogares cultos. Y ya estaba pronto para entronizarse en los salones de la nobleza copetuda cuando, el 30 de julio de 1743, el obispo de Buenos Aires, Juan José Peralta, lo prohibió en absoluto, bajo la pena máxima: excomunión mayor.”Es una danza hereje”, dictaminó el obispo. No había duda. El Fandango era moro…
El Malambo es un baile atribuido a los esclavos. Se dice que el negrerío lo bailaba en invierno, para quitarse el frío de los pies. Lo bailaban de a uno, sin pareja. De ahí viene su nombre. Corría una frase criolla que los negros murmuraban a menudo, cuando saboreaban un plato apetitoso sin convidar a nadie; frase que cada bailarín se decía a sí mismo al bailar el Malambo:— “¡Me lambo solo!”
El Malambo” está considerado como la danza típica del gaucho. ¡Es danza de varones! Los gauchos de la patria bailaban “El Malambo” en torno del fogón después de la batalla. Servía de gimnasia para sus piernas de jinetes capaces de galopar cien leguas sin sentirlas. Es un “baile de dos”, pero cada bailarín toma parte por turno. Mientras uno baila el otro espera, en el suelo, en cuclillas, mirando…El auditorio se mantiene pendiente de los pies del danzante que escobilla, zapatea, repica con los dedos, arquea las piernas; cruza las rodillas; entrecruza los pies en un vuelo continuo; hace vibrar las nazarenas y dibuja en el aire tantos firuletes como si la geometría se hubiera vuelto loca.
“Se jué a bailar al cielo sollozaba la viuda.”
En 1871, Ventura Lynch (escritor y periodista Arg.1850.1888) asistió en el Bragado (Provincia de Buenos Aires) a un torneo de “Malambo”, entre dos criollos. El baile duró toda la noche. Cada bailarín hizo con los pies setenta y seis figuras diferentes. .. Es costumbre que en el público se formulen apuestas, como en la taba, dando gritos en favor de alguno de los dos contrincantes. En 1902 en San José de Flores (Arg.), el gaucho Márquez bailó un “Malambo” con el “negro Sabino”. Bailaron un día y una noche. Al final, cuando le tocaba el turno al negro, el infeliz no pudo levantarse. “Se jué a bailar al cielo sollozaba la viuda.”
Florencio Molina campos
El gato
Danza de galanteo El Gato” tiene muy poco parentesco con las danzas del África. Sus figuras variadas, movibles, elegantes, graciosas, dan a las mujeres y a los hombres oportunidad para lucirse. AI principio, lo bailaba una sola pareja en el centro del rancho. Después, bajo la amplitud de la enramada, pudieron bailarla cómodamente, varias “yuntas”; y más tarde, se le agregaron “relaciones” que se dicen sin música, como en el “Pericón”. A veces las “relaciones” se cantan al compás ondulante de los instrumentos: Las figuras coreográficas describen los movimientos felinos de un gato enamorado Siguiendo a una perdiz. El ave vuela con coquetería de chinita sabrosa. El gato, con argucias de criollo, la persigue como si volara entre los yuyos. El estribillo explica las figuras cuando dice: “Salta la perdiz, madre, mi vida… Salta la infeliz; que se la lleva el gato, mi vida…» el gato., ¡mis! ¡mis!”
Pérez Bugallo afirma que… los primeros antecedentes de la estrofa que hoy llamamos seguidilla provienen del s. XV, siendo sus primeros testimonios de procedencia galaico-portuguesa, debidos al Infante Don Pedro de Portugal.
Primeros vestigios de la estrofa de pie quebrado, seguida de una coda que, mediante repeticiones de algún verso y agregado de expletivos pasó a constituir – en la poesía cantada – una segunda e indivisible parte de la anterior.
El concepto pie pertenece a la poética clásica y aún es utilizado por los viejos cantores criollos de nuestro país para denominar lo que más modernamente se denominó estrofa.
En cuanto a la seguidilla, todavía es común que en la campaña se la llame pie de gato. Y hay para esta denominación dos razones complementarias. La primera de ellas obedece al hecho de que quien primero utilizó este tipo de estrofas en la literatura castellana fue Juan Álvarez Gato, cuya obra poética floreció entre 1453 y 1495.
La segunda razón es que son estas las coplas que tradicionalmente se han aplicado – si bien no con exclusividad – a la danza criolla quizás más difundida; el gato. Y todo parece indicar que este baile – Que fue tan popular en la Argentina como en México, Perú, Chile, Paraguay y Uruguay – tomó su nombre del apellido del más antiguo compositor de sus verso
Indumentaria
Hacendado de posición económica holgada, dedicado a tareas rurales y ganaderas, en Azul (Provincia de Buenos Aires), hacia 1850/1860. Dama: modelo de fiesta: medias de muselina negras. Zapatos de tacón bajo prendidos con pequeñas hebillas (también con botoncitos). Amplia enagua de seda (moiré) blanca con ancho volado en el borde adornado con cintitas pasadas y moñitos. Vestido: corpiño largo y ceñido por varias pinzas, prendido en la delantera con pequeños botones. mangas armadas sobre forro liviano y engomado, con frunces sobre los hombros (en la bocamanga) para darles bastante amplitud hasta el codo, desde continúan en un puño largo y estrecho, abotonado. Cuellito en forma de tirilla alta, adornada por un voladito de gasa blanca que asoma desde el interior. Igual adorno se repite en el borde de los puños de las mangas. Peinado: en dos bandas separadas sobre la frente, recogidas en una torzada alta. Peineta pequeña.
Joyas y adornos: alhajas de oro, aros y prendedores
Caballero: bota de potro (con o sin espuelas); calzoncillo de tela de hilo con preciosos cribos; camisa blanca común, con puño y pechera alforzada sin cuello; faja de lana; cinto con botones; chaleco cruzado o derecho con bolsillos cortados y solapitas; chiripá de lana de textura fina; poncho liviano; pañuelo de seda cubriendo la cabeza bajo el sombrero de copa alta.
La huella es una danza folclórica argentina, nacida hacia 1820, característica de la llamada música surera o sureña. Esta danza fue bailada principalmente en Argentina, aunque también su práctica se extendió a Bolivia, Chile y Uruguay. Se caracteriza por ser picaresca por sus giros y zapateos, señorial por el leve contacto de las manos, aparecida durante la etapa de las guerras civiles.
Los puebleros le han cambiado, varias veces, el nombre. Originariamente se llamó: La G Helia. Después, transformase en “La Hueya”; y actualmente en “La huella”. El nombre se ha civilizado ortográficamente. En el fondo, sigue siendo la misma música dolorosa que parece un quejido, un grito de “dolor, una risa de miedo, una carcajada de locura. La Güella era el baile de los degolladores. Vino de Corrientes, de Entre Ríos, de la Banda Oriental… Era el baile rojo de las montoneras y de los caudillos. Las mujeres no querían bailarlo. El nombre de “Güella” no se refiere al rastro o a la huella que se deja al pasar. ‘Güella” es aféresis de degüella.
En Argentina después del asesinato de Facundo Quiroga la cantaban así: “A la güella, güella, degüella sin cesar han muerto a Quiroga, nuestro general”.Y esta otra: “A la huella, huella, ¡huella sin cesar! ábrase la tierra vuélvase a cerrar”. El estribillo es claro y terminante: después de degollar, “ábrase la tierra” para el degollado y . . , “vuélvase a cerrar”.
EL primer poeta gauchesco que hubo en el Río de la Plata, antes de Ascasubi, fué Bartolomé Hidalgo. (1788-1822 Sus Versos figuran, con honor, en las antologías. Era peluquero. Conquistaba la gloria sin saberlo en su pueblo natal, Montevideo, aplicando sanguijuelas, rapando barbas y haciendo versos criollos. Puede atribuírsele la paternidad del primer “Cielito”. El propio Hidalgo compuso en la guitarra una música dulce, apropiada a sus versos. Es la misma música — un poco estilizada — que se oye todavía en el Uruguay, en Entre Ríos. De Montevideo, el “Cielito” pasó a Buenos Aires, donde adquirió ciudadanía de baile, en los candombes de los negros. No duró mucho tiempo en la penumbra de los bajos fondos. Era una danza demasiado suave, demasiado sutil. Hablaba del “cielo de la patria”, del “cielo del amor”, del “cielo de unos ojos celestes”. Por eso los salones estéticos de la aristocracia descubrieron en el “Cielito” un baile virginal, artístico, romántico, onomatopéyico lleno de finura. Júzguese por la letra:
“A la mar me han echado los enemigos, porque dicen que mato con un suspiro. Cielo, cielito que sí, cielo, cielito que no, porgue dicen que mato con el suspiro”.
En Corrientes (Arg.) lo vio D’0rbigni en 1827 y 1828. Y eran indios los que integraban la orquesta (violín, arpa, guitarra, tamborín, triángulo). “Ejecutaron el acompañamiento del cielito, y al punto, las personas presentes se pusieron a bailar esta danza graciosa, siempre acompañada de cantos…”
El pueblo debe a Pepe Podestá (Uruguayo), la difusión de este baile patriótico. Fué Pepe quien lo trajo y lo hizo conocer al mundo en la fiesta criolla de su “Juan Moreira”. Después, Antonio Podestá, otra figura del teatro americano, compuso su magnífico pericón “Por María” para una ópera criolla, inédita, que guarda en sus baúles. http://viajes.elpais.com.uy/2014/08/07/danzas-criollas-de-donde-salieron/
sábado, 11 de junio de 2016
Artemios Ventouris Roussos - Demis Roussos
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Demis Roussos
Datos generales
Nombre real Artemios Ventouris Roussos
Nacimiento 15 de junio de 1946
Bandera de Egipto Alejandría, Egipto
Nacionalidad Bandera de Grecia Griega
Muerte 25 de enero de 2015 (68 años)
Bandera de Grecia Atenas, Grecia
Hijos Emily y Cyril1
Ocupación Cantante
Información artística
Instrumento(s) Voz, Bajo, Trompeta
Período de actividad 1963 - 2015
Discográfica(s) Philips Records
Artistas relacionados Aphrodite's Child, vangelis
Web
Sitio web Demis Roussos
Ficha Demis Roussos en IMDb
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Artemios Ventouris Roussos, más conocido como Demis Roussos (Alejandría, 15 de junio de 1946 – Atenas, 25 de enero de 20152 ), fue un cantante y artista greco-egipcio.
Biografía y carrera[editar]
Nació en Egipto, hijo de una familia griega expatriada. Sus padres, Giorgos y Olga, también nacieron en Egipto y crecieron en Alejandría. Tras perderlo todo debido a las políticas del gobierno de Gamal Abdel Nasser, regresaron a Grecia después de la guerra de Suez. Padre de dos hijos Emily y Cyril este último músico como su padre.
Primeros éxitos[editar]
Después de regresar a Grecia, Demis se integró en diversos grupos musicales comenzando por The Idols cuando tenía 17 años; después pasó a We Five y a otras bandas relativamente destacadas y de cierto éxito en Grecia.
Logró cierta notoriedad en 1968 cuando se unió a la banda de rock progresivo Aphrodite's Child inicialmente como cantante y después como bajista y cantante. Su distintiva voz operística dio impulso a la banda hasta colocarla con éxito en el ámbito internacional, notablemente en su álbum final 666, el cual vino a convertirse en un clásico de culto para los melómanos.
Tras la disolución de Aphrodite's Child, Demis continuó grabando esporádicamente con su compañero de banda, el también destacado músico Vangelis. Grabaron juntos en 1977 el álbum Magic cuyo mayor éxito fue «Because», conocida en español como «Morir al lado de mi amor» y grabada en siete idiomas en total. El álbum Demis (1982), que incluyó «Tu libertad» —adaptación vocal del tema «Race to the end», parte de la banda sonora del filme ganador del Óscar Carros de Fuego—, mientras Roussos también aparece en la banda sonora de la película Blade Runner (1982), todos con éxito y, finalmente, en 1984 el álbum Reflection.
Éxitos en solitario[editar]
Demis inició una carrera como cantante en solitario al desintegrarse la banda, comenzando con la canción We Shall Dance (Bailaremos), que, al principio no tuvo éxito, pero Demis hizo una gira por Italia, España y Francia y su primer single llegó a la primera posición en distintos países. Su carrera alcanzó la cima en la década de 1970 con una considerable cantidad de álbumes. Destacando su sencillo Forever and Ever (Por siempre y para siempre), que se colocó en las listas de popularidad de una gran cantidad de países en 1973. En México y Latinoamérica su primer éxito fue My Reason en 1972 y posteriormente Forever and Ever en 1973. Años después, concretamente en 1977, editaría un álbum con estas canciones en el idioma español.
Otros éxitos fueron My Friend the Wind (Mi amigo el viento), My Reason (Mi razón), Velvet Mornings (Mañanas de terciopelo), When I'm a Kid (Cuando soy como un niño), Goodbye, My Love, Goodbye (Adiós mi amor, adiós), Someday, somewhere (Algún día en algún lugar), Lovely Lady of Arcadia (Adorable dama de Arcadia) y "Morir al lado de mi amor". Fue mencionado como destacado en el programa Abigail's Party e hizo su primera aparición en una televisión de habla inglesa en el programa Basil Brush Show. También es destacada su interpretación del éxito del grupo Air Supply titulado Lost in Love (Perdido en el amor).
Demis Roussós en 1972.
Recopiló sus canciones en un gran número de idiomas. Su éxito número uno Roussos Phenomenon EP fue el primero de su tipo de un artista de origen africano en la historia de las listas de popularidad del Reino Unido. Fue igualmente exitoso en Europa y Latinoamérica; en Estados Unidos logró lo mismo con el álbum Demis que permaneció como su único éxito, llegando al Top 40.
Depresión y secuestro aéreo[editar]
En 1982 fue coautor del libro A Question of Weight junto con su amiga íntima Veronique Skawinska en el cual narra sinceramente su lucha contra la obesidad. Durante los primeros años de la década de 1980 atravesó un período relativamente improductivo debido a su batalla contra la depresión.
Fue uno de los pasajeros del vuelo TWA 847, que fue secuestrado el 14 de junio de 1985. En su momento fue muy conocido el hecho de que los secuestradores celebraron su cumpleaños con él, al quedar impresionados por tener como rehén a una de las celebridades de Oriente y Europa.
Retorno y última etapa[editar]
Sensible a su nueva etapa de vida, Demis se embarcó en su retorno en 1986 con el álbum Greater love, producido en Holanda. En 1988 reapareció en Francia con un álbum grabado íntegramente en francés Le grec, del cual se extrajo el single Quand je t'aime, que llegó al nº 2 en las listas francesas. En ese mismo 1988, publicó el álbum Time que le otorgó numerosos reconocimientos y ser aclamado por su éxito muy popular en las discotecas Dance of Love. En 1989 publicó el álbum Voice and vision que incluía canciones en francés, italiano, español y una en inglés. El single On écrit sur les murs llegó a la cuarta posición en las listas francesas.
Demis Roussós en 1973.
Los años 1990 vieron un número sustancial de trabajos de Demis. Realizó Insight (también llamado Morning Has Broken) siendo aclamado, mientras que su intento de canción bajo la modalidad de rap, Spleen fue considerado una idea lamentable. Antes de ello hizo equipo con BR Music en Holanda para producir Immortel, Serenade e In Holland, utilizando una variedad de estilos desde el étnico al electrónico. Demis continuó grabando y de gira. Su Millennium Tour conoció el éxito en Inglaterra. Como ferviente seguidor de la Iglesia ortodoxa griega, canta como invitado en diversos templos en Grecia y en todo el mundo.
Muerte[editar]
Roussos falleció la mañana del 25 de enero de 2015 en un hospital privado de Atenas, Grecia, a consecuencia de un cáncer de estómago, páncreas e hígado. Su muerte fue confirmada un día después por su amigo, el periodista Nikos Aliagas quien difundió la noticia con un tuit tanto en Grecia como en Francia, también confirmada el mismo día por su hija, quien dio a conocer la noticia a los medios griegos y franceses.[actualizar]
Discografía completa[editar]
Aphrodite's Child
End of the World (1968)
It's Five O'Clock (1969)
666 (1972)
En solitario
On the Greek side of my mind (en algunos países titulado Fire and ice)(1971)
Forever and ever (1973)
My only fascination (1974)
Auf Wiedersehen (1974)
Souvenirs (1975)
Happy to be... (1976)
Die Nacht und der Wein (1976)
Kyrila (1977)
Demis Roussós en Kiev, en 2012.
The Demis Roussos magic (1977)
Ainsi soit-il (1977)
Los super 2 LP (1977)
Demis Roussos (1978)
Universum (1979)
Man of the world (1980)
Roussos live! (1980)
Demis (1982)
Attitudes (1982)
Reflection (1984)
Senza tempo (1985)
Greater love (1986)
The story of... (1987)
Come all ye faithful (1987)
Le grec (1988)
Time (1988)
Voice and vision (1989)
Photo-Fixe (1991) (no publicado)
Insight (1993)
Demis Roussos in Holland (1995)
Immortel (1995)
Serenade (1996)
Mon île (1997)
Auf meinen Wegen (2000)
Live in Brazil (2006)
Demis (2009)WIKIPEDIA
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