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lunes, 28 de septiembre de 2015
Louis Armstrong
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Louis Armstrong
Louis Armstrong en 1953
Datos generales
Nombre real Louis Daniel Armstrong
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Nueva Orleans, Luisiana
4 de agosto de 1901
Nacionalidad Estados Unidos
Muerte Bandera de los Estados Unidos Queens, Nueva York
6 de julio de 1971 (69 años)
Ficha Louis Armstrong en IMDb
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Louis Armstrongn 1 n 2 (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901n 3 -Nueva York, 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.
Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile, en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.1
Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo de la creatividad del americano.2
Comienzos[editar]
En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong empezó a incrementarse de forma exponencial.
En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh Records. En sus primeras grabaciones se incluyeron algunos solos y apartes como segunda corneta de la banda; en 1924, sin embargo, ya era el solista más importante y más creativo del grupo. En febrero de 1924 se casó con Lillian Hardin, pianista de Oliver, quien lo animó a abandonar a este para alcanzar mayores metas artísticas. Así, se separó amistosamente de Oliver y, tras trabajar brevemente con Ollie Powers, se marchó a Nueva York.
Su fama llegó rápidamente a oídos del mejor director de orquesta negro del momento, Fletcher Henderson, quien le ofreció un contrato para que se uniese a su banda, la Fletcher Henderson Orchestra, la principal banda afro-estadounidense de la época. Armstrong se cambió a la trompeta para armonizar mejor con los otros músicos de su sección orquestal y debutó con ella el 29 de septiembre de 1924 en el Roseland Ballroom de Nueva York. Tras decidirse a aprender a leer música, en sólo un año revolucionó el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y grabó con las mejores cantantes de blues de la época, como Bessie Smith.4
Durante este periodo, hizo también muchas grabaciones de forma independiente con los arreglos de un viejo amigo de Nueva Orleans, el pianista Clarence Williams, como por ejemplo unos dúos con su «rival» musical Sidney Bechet y una serie de acompañamientos con los Blues Singers.
Los Hot Five y Hot Seven[editar]
Aguafuerte coloreado a mano titulado Louis Armstrong, del artista Adi Holzer (2002).
En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom; empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como «Potato Head Blues», «Muggles» (una referencia a la marihuana, la cual tendía a consumir desde siempre) y «West End Blues».
El trabajo de Armstrong con ambos grupos se convertiría en clásico dentro de la historia del jazz, siendo enormemente influyente y reinterpretado.n 4
Fuera del estudio continuó tocando con big bands, como por ejemplo las de Erskine Tate y Carroll Dickerson, y su repertorio comenzó a cambiar hacia canciones populares como «Ain't Misbehavin». Apoyado ahora por la prestigiosa banda de Dickerson, anunciada como su propia orquesta, Armstrong aplicaba su forma virtuosa de tocar la trompeta y su encantadora manera de cantar con enorme efecto a las melodías populares de la época. La aparición en 1926 de «Heebie Jeebies» supone la primera muestra del estilo vocal llamado scatting, que Armstrong haría famoso: un solo instrumental cantado mediante sonidos o palabras sin ningún sentido.
Armstrong regresó a Nueva York en 1929, luego se trasladó a Los Ángeles en 1930 y después realizó una gira por Europa a partir de 1932 (regresaría dos años después, en 1934), consiguiendo un espectacular éxito en París.4 La aparición de Joe Glaser en 1935 como su representante y la contratación de la orquesta de Louis Russell como formación de apoyo de Armstrong, establecieron el curso de los acontecimientos durante el resto de la década, en la que Armstrong pasó de ser una simple figura del jazz a un destacado miembro de la industria del entretenimiento en general.
En 1940, Glaser rompió su relación comercial con la big band de Russell y contrató a nuevos músicos: esta unidad fue el principal apoyo con el que contó Armstrong hasta 1947. El cambio de aquel año fue presagiado por la grabación de la banda sonora de la película Nueva Orleans, en la que aparecía Louis, y en la que se interpretaban obras del repertorio clásico del jazz a cargo de un pequeño grupo.
Tras pasar muchos años de gira, se asentó permanentemente en Queens, Nueva York, en 1943. Aunque no ajeno a las vicisitudes del Tin Pan Alley y del negocio musical controlado por gánsteres, Louis continuó desarrollando su técnica y su carrera musical.
Durante los siguientes treinta años, Armstrong llegó a actuar una media de trescientas veces por año. En los años cuarenta, las big bands entraron en decadencia debido a los cambios en el gusto del público: muchas salas de baile cerraron y entre los nuevos medios de comunicación como la televisión y el auge de nuevos tipos de música, las big bands y el swing pasaron a un segundo lugar. Se hizo imposible mantener y financiar orquestas itinerantes de 16 músicos.
The All Stars[editar]
Louis Armstrong en 1953.
Hacia 1947, Armstrong redujo su banda a seis instrumentos, volviendo así al estilo Dixieland que lo había hecho famoso al principio de su carrera. Este grupo fue llamado All Stars y estaba formado por Armstrong (voz y trompeta), Jack Teagarden (trombón), Barney Bigard (clarinete), Earl Hines (piano), Big Sid Catlett (batería) y Arvell Shaw (contrabajo). Con ellos, Louis Armstrong se presentó el 13 de agosto de 1947 en el club Billy Berg's de Los Ángeles. Por la agrupación pasaron otros músicos en diferentes etapas: Trummy Young (quien tocó con Dizzy Gillespie desde 1944), Marty Napoleon, Billy Kille, Edmond Hall, Danny Barcelona, Tyree Glenn y Barrett Deems. Durante este periodo, realizó muchas grabaciones y apareció en alrededor de treinta películas.4
En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: «Hello, Dolly». La canción obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglés The Beatles. Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también, otro tema clásico de Armstrong: «Jeepers Creepers».
Fallecimiento[editar]
Armstrong estuvo trabajando hasta poco tiempo antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba perpleja a su propia banda.
Entre sus numerosos destinos artísticos, estuvieron lugares de África, Europa y Asia, bajo el patrocinio del Departamento de Estado de los Estados Unidos; el éxito fue tan grande que terminó por ser conocido como «Ambassador Satch» (embajador Satch).
Debido a problemas de salud, restringió sus actuaciones a lo mínimo hacia el final de su vida, aunque seguiría tocando hasta el día de su muerte.
Louis Armstrong sufrió un ataque al corazón en 1959, del cual se pudo recuperar para seguir tocando. Pero un segundo ataque al corazón en 1971, le obligó a guardar reposo durante dos meses. Se reunió nuevamente a tocar con su grupo el 5 de julio de ese mismo año y, al día siguiente, en Corona, Queens (Nueva York) murió mientras dormía por complicaciones de su corazón, justo un mes antes de cumplir 70 años.
Louis Armstrong
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Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong, los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad. Al menos desde 1910, cuando fue detenido por primera vez, se vería esporádicamente involucrado en asunto delictivos.3 Su madre, Mary «Mayann» Albert (1886-1942), dejaba a Louis y a su hermana menor Beatrice Armstrong Collins (1903-1987) bajo el cuidado de su abuela, Josephine Armstrong, que había nacido esclava y fue liberada después de la Guerra Civil y a veces, de su tío Isaac.
La otra parte de su educación infantil la obtuvo vagabundeando por las calles y trabajando de chatarrero. Siendo aún muy niño pudo ser consciente del terrible odio racial que bañaba Estados Unidos en las primeras décadas del siglo XX. Por primera vez notó que era tratado diferente y como él mismo contaba, finalmente acabó «comprendiendo que era por el color de su piel».
Trabajó para una familia de inmigrantes judíos lituanos, los Karnofsky, quienes aceptaron al niño como a uno más de la familia. Louis siempre contó cómo descubrió que esta familia blanca también era discriminada por "otros blancos", "yo tenía sólo siete años, pero podía notar el miserable trato que los blancos le daban a esta pobre familia judía para la cual trabajaba... de la cual aprendí cómo vivir una vida verdadera y con determinación" (escrito en sus memorias: Louis Armstrong y la familia judía en Nueva Orleans).
No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad. Esta familia fue la que hizo posible que se dedicara a la música y no a ser un muchacho problemático más de las calles de Nueva Orleans. Cuando la música le llamó y no tenía un centavo para comprar su primera trompeta, el señor Karnofsky se la compró. Eternamente agradecido y a pesar de ser de fe baptista, Louis Armstrong llevó el resto de su vida una estrella de David colgando de su cuello en honor a su mecenas. Hoy día existe en Nueva Orleans una organización sin ánimo de lucro llamada The Karnofsky Project que se encarga de proporcionar instrumentos musicales a niños sin posibilidades económicas.
Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos.
En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarés de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.4
Al tiempo, seguía con atención todos los desfiles de las bandas de música habituales en la ciudad y escuchaba a los músicos veteranos cuantas veces podía, aprendiendo de Bunk Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver.
Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en 1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de swing más importante de la ciudad.
FAMOSOS CANTANTES NEGROS
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FUENTE: http://cantantesnegros.blogspot.com.ar/2012_06_01_archive.html
Curtis James Jackson III (nacido el 6 de julio de 1975) más conocido por su nombre artístico, 50 Cent, es un rapero, inversionista, empresario y actor estadounidense ganador del Grammy. Alcanzó la fama mundial con el lanzamiento de sus álbumes Get Rich or Die Tryin (2003) y The Massacre (2005), ambos de ellos logrando éxito multi-platino, Get Rich or Die Tryin logró ser más de 10 veces platino y The Massacre más de 14 veces platino en todo el mundo los cuales están entre los primeros 50 mejores álbumes de la década del 2000s según la revista Billboard.
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Cee Lo Green, en ocasiones Cee Lo o Cee-Lo, seudónimo de Thomas DeCarlo Callaway (Atlanta, Georgia, 30 de mayo de 1974), es un artista estadounidense de rap, R&B, soul y funk. Es cantante, rapero, compositor y productor, más conocido por ser miembro del grupo de southern rap Goodie MOb. Ha editado dos exitosos álbumes en solitario, y entre sus singles destacan "Closet Freak" (2002) y "I'll Be Around" (2003), producido por Timbaland, en el que también colabora.
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Su verdadero nombre es Jaden Christopher Syre Smith.
Nació en Malibú, California, Estados Unidos, 8 de julio de 1998) es un actor, rapero y bailarín estadounidense. Es hijo de la actriz y cantante Jada Pinkett Smith y del actor y rapero Will Smith. Tiene dos hermanos, Willow Smith y Willard Smith III. Es conocido por sus papeles en películas como En busca de la felicidad, The Day the Earth Stood Still, The Karate Kid y Never Say Never.
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Su nombre es Allan Pineda Lindo, ) más conocido como Apl.de.ap.
Nació el 28 de noviembre de 1974, es un cantante, actor, bailarín y miembro de The Black Eyed Peas. Nació en el Sapang Bato en Ángeles (Pampanga, Filipinas) pero a los catorce años de edad se mudó a Los Ángeles, California con sus padres adoptivos. Es descendiente de afrofilipinos.
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Su nombre es William Adams, más conocido como Will.I.Am)
Nació el 15 de marzo de 1975 en Los Ángeles, California, Estados Unidos. Es un cantante y compositor estadounidense, vocalista y miembro del grupo The Black Eyed Peas.
Tiene una compañía discográfica llamada A.M Records. Black Eyed Peas lo ha llevado a la fama, con múltiples sencillos en el número 1. Comenzó su carrera como solista internacionalmente con su tercer álbum titulado Songs About Girls.
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Su nombre es William Roberts, más conocido como Rick Ross.
Nació en Carol City, Florida en 1976, es un rapero afroamericano del norte de Miami en el Condado de Miami-Dade.[]
Su primera aparición musical oficial fue en el single "Told Y'all" de Trina ya por 2002. Firmó por Slip-N-Slide Records, que desde 2005 está distribuido bajo Def Jam Records.
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Su verdadero nombre es Sean Michael Anderson, más conocido por su nombre artístico Big Sean. Nació el 25 de marzo 1988, es un rapero estadounidense. Big Sean firmó con la discográfica G.O.O.D. Music de Kanye West en el año 2007, y luego en 2008 firmó con Def Jam Recordings.
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Su verdadero nombre es Jordan Houston, más conocido como Juicy J.
Nació en el año 1974, es uno de los líderes del colectivo de Memphis rap, Three 6 Mafia. Junto a DJ Paul, es el encargado de producir la música del grupo. Es el hermano mayor del rapero Proyect Pat. Es reconocido por sus comentarios graciosos y por llevar colmillos de vampiro bañados en oro en vídeos musicales y fotos.
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Su verdadero nombre es Patrick Chukwuemeka Okogwu (Jr.), Es más conocido como Tinie Tempah. []
Nació en Londres, 7 de noviembre de 1988, es un rapero y compositor. Sus singles más conocidos son “Pass out”, “Written in the stars” (el cual es el tema de WrestleMania XXVII), “Frisky”, “Miami 2 Ibiza” y “Till I'm Gone”.
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Su verdadero nombre es Scott Ramón Seguro Mescudi, mejor conocido como Kid Cudi.
Nació el 30 de enero de 1984, es un cantante estadounidense. Debutó en la música con su mixtape "A Kid Named Cudi" en el año 2009. Su primer disco es Man on the Moon: The End of Day y fue publicado el 15 de septiembre de 2009. En él Kid Cudi colabora con artistas como Common y Kanye West entre otros. El primer sencillo de su álbum debut fue "Day 'n' Nite" el cual estuvo por varias semanas en el tercer puesto de la Billboard Hot 100, siendo un éxito en la mayoría de las listas musicales.
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Su verdadero nombre es Bobby Ray Simmons, mejor conocido como B.o.B.
Nació el 15 de noviembre de 1988, es un cantante y productor de rap estadounidense. Actualmente está afiliado a Grand Hustle Records y Atlantic Records. Saltó a la fama con su sencillo Haterz Everywhere. Sus inspiraciones son la música de la década de 1980.
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Su nombre verdadero es Aliaune Damala Badara Thiam, más conocido como Akon (pronunciado /ˈeɪkɒn/ ).
Nació en San Luis, Missouri, el 30 de abril de 1973, es un cantante estadounidense-senegalés de hip hop y R&B, compositor, rapero y productor musical. Saltó a la fama en 2004 con el single "Locked Up" de su primer álbum Trouble. En su segundo disco, Konvicted, se incluía el single "Smack That", por el que fue nominado a los Grammy. Es el fundador de Konvict Muzik y Kon Live Distribution. Akon es conocido por cantar coros y ha colaborado en más de 175 canciones, 40 de ellas incluidos en el Billboard Hot 100. Cantó en la canción benéfica We Are The World 25 For Haití.
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Su verdadero nombre es Shawn Corey Carter, más conocido por su nombre artístico Jay-Z.
Nació el 04 de diciembre 1969 en Brooklyn, Nueva York, además es un rapero, productor, empresario y ocasionalmente actor Es uno de los artistas de hip-hop económicamente más exitosos, posee un patrimonio neto de más de $450 millones en 2010. Ha vendido aproximadamente 50 millones de álbumes en todo el mundo, y ha recibido quince premios Grammy por su trabajo musical, y numerosas nominaciones adicionales. Es considerado como uno de los mejores raperos de todos los tiempos. Clasificó como número uno de la controversial lista de The Greatest MCs of All-Time elaborada por la cadena de televisión MTV en 2006.
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HISTORIA DE LA MÚSICA AFROAMERICANA (1)
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Música afroamericana
Se ha sugerido que Aspectos de la música afroamericana sea fusionado en este artículo o sección (discusión).
Una vez que hayas realizado la fusión de artículos, pide la fusión de historiales aquí.
Un hombre afroamericano da una lección de piano a una joven mujer, entre 1899 o 1900, en Georgia, EE.UU.. Fotografía de una colección de W.E.B. DuBois.
La música afroamericana (también llamada música negra) es un término dado a una serie de músicas y géneros musicales, como son el blues, el ragtime, el jazz, el gospel, el soul o el hip hop, que provienen de o están influenciados por la cultura de la comunidad afroamericana.
Esta comunidad desde hace siglos ha constituido una minoría étnica de la población estadounidense. Algunos de sus antepasados fueron traídos originalmente a Norteamérica a la fuerza para trabajar como pueblos esclavos, trayendo con ellos canciones típicamente polirítmicas de grupos étnicos tanto de África occidental como del África subsahariana. En los Estados Unidos, como se fusionaron las culturas, múltiples tradiciones culturales africanas fueron fusionándose progresivamente con otras músicas tradicionales europeas, como la polka o el vals. Más tarde se dieron periodos de considerable innovación y cambio. Los géneros afroamericanos han sido muy influyentes a través de distintas clases socio-económicas y raciales internacionalmente, disfrutando de popularidad a nivel global. La música afroamericana y todos los aspectos de la cultura afroamericana son celebrados durante el Mes de la Historia del Negro en febrero de cada año en los Estados Unidos.
Índice
1 Rasgos históricos
1.1 Siglo XIX
1.2 Comienzos del siglo XX
2 Mediados del siglo XX
2.1 Los años 1970 y 1980
2.2 Los años 1990 y 2000
3 Véase también
4 Notas
5 Referencias
6 Enlaces externos
Rasgos históricos[editar]
Además de aportar características armónicas y rítmicas del África occidental y subsahariana a los estilos musicales europeos, fue la condición de cautiverio padecida por los negros dentro de la sociedad americana la que contribuyó a las condiciones que definirían su música. Muchas de las formas musicales que definen la música afroamericana tienen precedentes históricos. Estas formas primigenias incluyen elementos como:
Gritos de campo
Canción de trabajo
Llamada y respuesta
Vocalidad (o efectos especiales de voz): efecto gutural, vocalidad interpolada , falsete, melisma, ritmización vocal.
Improvisación
Escala pentatónica y escala de blues.
Nota de blues
Polirritmia: síncopa, concrescencia, tensión, improvisación, percusión, nota oscilada
Textura: antifonía, homofonía, polifonía, heterofonía
Armonía: progresiones vernáculas; armonia compleja y multiparte, como en los espirituales negros y el estilo barbershop.1
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Siglo XIX[editar]
La influencia de los afroamericanos en la música estadounidense comenzó en el siglo XIX con la llegada del Black Minstrel que fue una forma de entretenimiento que consistía en sketches cómicos, varios actos, danza y música, realizados por personas de raza blanca pintados de negro, quienes satirizaban a las personas de raza negra como ignorantes, perezosos, graciosos, alegres, y musicales. los afroamericanos comenzaron a incorporar una gran variedad de temas espirituales cristianos.
Durante el período de la Guerra Civil Americana (1861 -1865), la expansión de la música afroamericana continuó. Los Fisk Jubilee Singers, un grupo de cantantes afroamericanos, realizaron su primera gira en 1871. Artistas como Morris Hill y Jack Delaney ayudaron a revolucionar la música africana de la posguerra en el este de los Estados Unidos. El primer grupo musical de comedia de negros, Hyers Sisters Comics Opera Co. fue organizado en 1876.
A finales del siglo, la música afroamericana formaba parte integral de la música estdounidense. Músicos de Ragtime (género previo al jazz) como Scott Joplin ganaron popularidad y algunos se asociaron a movimientos artísticos como Harlem Renaissance (Renacimiento de Harlem) que fue el reavivamiento del arte en los Estados Unidos, liderado por la comunidad de afroamericanos de Harlem, Nueva York, donde se destacaban el jazz, la literatura y la pintura, y activistas de los derechos civiles.
Comienzos del siglo XX
Los comienzos del siglo XX vieron el crecimiento gradual en la popularidad del jazz y el blues afroamericanos. Así como el desarrollo de las artes visuales, el Harlem Renaissance fortaleció el desarrollo de la música.
Ante el surgimiento de artistas blancos y latinos de jazz y blues, se generó un intercambio de culturas entre las diferentes razas existentes en los Estados Unidos. La música judía, por ejemplo, tuvo notable influencia en el jazz, mientras el artista de ragtime Jelly Roll Morton, expresó que el “tinte latino” es siempre necesario en la composición de buena música. La música afroamericana era siempre simplificada por la audiencia europeo-americana, quienes no aceptaban artistas de raza negra, dando lugar a géneros como el swing.
En escenarios, los primeros musicales escritos y producidos por afroamericanos en Broadway debutaron en 1898 con A Trip to Coontown, por Bob Cole y Billy Johnson. En 1901 La primera grabación conocida de músicos negros fue la de Bert Williams y George Walker, que incluía canciones de musicales de Broadway. La primera opera negra fue presentada en 1911 con Treemonisha de Scott Joplins. Al año siguiente, la primera sinfonía de orquesta de negros fue presentada en el Carnegie Hall de Manhattan, ciudad de Nueva York.
El retorno de los musicales negros a Broadway ocurrió en 1921 con Shuffle Along de los músicos Sissle y Blake. En 1927, una serie de música afroamericana fue presentada en el Carnegie Hall, incluyendo jazz, música sinfónica de William Christopher Handy y música de los Fisk Jubilee Singers.
La primera película musical con elenco de afroamericanos fue Hallelujah de King Vidor, en 1929. La primera sinfonía escrita por un afroamericano y presentada por una orquesta mayor fue la Afro-American Symphony de William Grant Still con la Filarmónica de Nueva York. Artistas negros participaron en operas como Porgy and Bess y FourSaints in Three Acts de Virgil Thompson en 1934. También en 1934, la Negro Folk Symphony de William Dawson se convirtió en la segunda composición afroamericana en recibir atención de una orquesta mayor como la Orquesta de Filadelfia.
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Mediados del siglo Xx
En la década de 1940 nuevas versiones de temas musicales afroamericanos ya compuestos e interpretados por blancos se hicieron populares llegando a los primeros lugares en las listas de ventas, mientras las versiones originales interpretadas por negros ganaban popularidad sólo entre los afroamericanos. En 1955, Thurman Ruth persuadió a un grupo de música gospel (evangélica) a tocar en lugares seculares como el Apollo Theater, cuyo éxito llevó a este y otros grupos del género a realizar giras en todo Estados Unidos tocando en lugares populares.
Entre 1940 y 1950 los músicos afroamericanos desarrollaron un género llamado Rock and Roll con exponentes como Wynonie Harris. Pero fue con artistas de raza blanca como Bill Haley y Elvis Presley, quienes tocaban una fusión de rock and roll negro y música country llamada rockabilly, con quienes el rock obtuvo éxito comercial. Por ese motivo, la música rock fue asociada más a personas blancas, aunque algunos artistas negros como Chuck Berry también lograron un importante éxito.
A finales de la década de 1950, la música blues crecía en popularidad en los Estados Unidos y Gran Bretaña. También un nuevo estilo llamado doo-wop tomó un lugar importante. Un estilo nuevo de música gospel secularizada llamado soul también se desarrolló con sus pioneros Ben E. King y Sam Cooke. El soul y el rhythm and blues se convirtieron en la mayor influencia del estilo surf, llevando al tope de las listas a grupos femeninos como The Angels y The Sangrilas, en los cuales sólo algunas integrantes fueron mujeres blancas. Divas de raza negra como Diana Rose & The Supremes y Aretha Franklin se convirtieron en las estrellas de la década de 1960. En Inglaterra, el british blues o blues británico se convirtió en un gran fenómeno, retornando a los Estados Unidos como lo que llamaban the british invation o invasión británica con grupos como los Beatles quienes presentaban una fusión del clásico rhythm and blues con blues y pop en sus aspectos tradicionales y modernos.
La invasión británica sacudió de las listas de popularidad a otras bandas americanas, con algunas excepciones como el grupo The mamas and the papas quienes mantuvieron una buena carrera de música pop. La música soul se mantuvo popular entre los afroamericanos. La música funk, que usualmente atribuyen su invención al cantante afroamericano James Brown, adquiriendo influencias de la música psicodélica y de lo que sería la formación de la actualmente denominada música heavy metal a través del músico Jimi Hendrix quien fue un innovador con la guitarra eléctrica usando pedales con efectos como el pedal wah wah. En ese tiempo el soul revolucionó la música afroamericana con letras de contenido social que reflejaban la lucha por los derechos viviles de la época. El álbum "What’s Going On" de Marvin Gaye, lanzado en 1971, es uno de los grandes exponentes de esta época.
Los años 1970 y 1980
Hacia finales de los 70 el funk deriva en el llamado P-Funk, un tipo de funk psicodélico que combina rock con el funk ya existente y una mitología propia, bastante famosa en el momento. Ya en los 80, los artistas de pop negro Michael Jackson, Lionel Richie, Whitney Houston, y Prince, desarrollan una reelaboración del funk y el soul de corte completamente pop, alcanzando un gran éxito comercial.
El Hip Hop, que había nacido gracias a fiestas comunitarias (bloc parties) en Nueva York en la década de los 70 se extiende por todo el país. Estas fiestas se originaron a partir de la cultura del sound system importada de Jamaica y es una música predominantemente negra. A principios de los 80, surge el techno en Detroit, considerada una música afrogermánica porque auna la experimentación electrónica alemana con las raíces de la música negra. Hasta bien avanzado su desarrollo, sus intérpretes son fundamentalmente negros. Poco tiempo después, en Chicago se desarrolla el house, fuertemente emparentado con la música disco que había venido desarrollándose desde finales de los 70.
Los años 1990 y 2000[editar]
El R&B contemporáneo, como el post-disco versión de la música soul llegaron a ser conocidos como fue popular en todo el decenio de 1980 y 1990. Grupos masculinos en el estilo soul como The Temptations y The O'Jays son especialmente populares, entre ellos New Edition, Boyz II Men, que terminó siendo el disco más vendido de R&B en el género masculino de todos los tiempos, Jodeci, Blackstreet, y, más tarde, Dru Hill y Jagged Edge. Los grupos femeninos , incluido el TLC, Destiny's Child, y En Vogue, también fueron un gran éxito. Destiny's Child podría pasar a ser el disco más vendido del grupo vocal femenino de todos los tiempos.
En el 2000, el R&B se había desplazado hacia un énfasis en artistas solistas, entre ellos Usher y Alicia Keys, aunque grupos como B2K y Destiny's Child siguen teniendo éxito. La línea entre el hip-hop y el R&B se difuminó gracias a productores como Timbaland y Lil Jon, y artistas como Nelly, y André 3000, quien, con su amigo Big Boi, ayudó a popularizar la música Southern hip hop como Outkast.
La "Música urbana" y el "radio urbano" son términos de raza neutral, también son sinónimos con el hip hop y el R&B y está asociada a la cultura hip hop que se originó en la ciudad de Nueva York. El término también refleja el hecho de que son populares en las zonas urbanas, tanto en centros de población negra y la población en general (especialmente las audiencias más jóvenes).
En febrero de 2004, se anunciaron planes para una afiliación al Museo Nacional de Arte Africano (Washington) y de la música americana en el Instituto Smithsoniano que se construye en Newark, Nueva Jersey. Groundbreaking está prevista para 2006.
sábado, 19 de septiembre de 2015
Fred Astaire
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Fred Astaire
Fred Astaire
Astaire, Fred - Never Get Rich.jpg
Fred Astaire en 1941
Nombre de nacimiento Frederick Austerlitz Jr.
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Omaha, Nebraska, Estados Unidos
10 de mayo de 1899
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Los Ángeles, California, Estados Unidos
22 de junio de 1987
(88 años)
Nacionalidad Estadounidense
Frederick Austerlitz, más conocido como Fred Astaire (Omaha, Nebraska, 10 de mayo de 1899-Los Ángeles, California, 22 de junio de 1987), fue un actor, cantante, coreógrafo y bailarín de teatro y cine estadounidense.
Su carrera teatral y su posterior carrera en el cine abarcó un total de setenta y seis años, durante los que rodó 31 películas musicales. Está particularmente asociado con Ginger Rogers, con quien hizo diez películas que revolucionaron el género.
Balanchine y Nureyev le consideraron el mejor bailarín del siglo XX, y está generalmente reconocido como uno de los bailarines más influyentes en la historia de los musicales de cine y televisión. Fue nombrado la quinta "Mejor estrella masculina de todos los tiempos" por el American Film Institute.1
Primeros años y carrera[editar]
Su padre era Frederic "Fritz" Austerlitz, un inmigrante católico austríaco, su madre nació en los Estados Unidos de padres alemanes luteranos. Astaire se convirtió, junto a su hermana, a la religión episcopaliana en 1912.2
Fred y su hermana Adele tomaron el apellido Astaire para su actuación en un vodevil, en 1905. Una leyenda familiar lo atribuye a un tío apellidado "L'Astaire".3 La carrera de la pareja en el mundo del espectáculo continuó, con una mezcla de éxitos y algunas interrupciones para evitar problemas con las leyes de trabajo infantil de la época. En 1917 se presentaron en Broadway con Over The Top, algunas fuentes afirman que los hermanos Astaire aparecieron en una película de 1915 titulada Fanchon, the Cricket, protagonizada por Mary Pickford, pero esto no está corroborado. Fred Astaire conoció a George Gershwin, que estaba trabajando como "song plugger" en Jerome H. Remick's, y en 1916 empezaron una amistad que iba a afectar profundamente las carreras de ambos artistas.4
Durante los años 20, Fred y Adele actuaron en Broadway y en teatros de Londres en espectáculos como Lady Be Good, Funny Face y The Band Wagon, ganándose la aclamación del público de ambas partes del Atlántico. Hicieron varias grabaciones en equipo. Se separaron en 1932, cuando Adele se casó con Charles Cavendish, un hijo del Duque de Devonshire. Fred continuó obteniendo éxitos en Broadway y en Londres con The Gay Divorcee (La alegre divorciada), mientras consideraba ofertas de Hollywood.
Fred Astaire con su hermana Adele en 1921.
Según la leyenda de Hollywood, en un informe de una prueba cinematográfica de Astaire con RKO Pictures, pondría: "No sabe cantar. No sabe actuar. Con entradas. Sabe bailar un poco." El productor de películas de Astaire-Rogers Pandro S. Berman afirmó que él nunca lo había dicho en los años 1930 y que sólo salió a la luz años más tarde. Astaire, en una entrevista de 1980 en el programa 20/20 de ABC con Barbara Walters, insistió en que en el informe ponía realmente: "No sabe actuar. Ligeramente calvo. También baila". No obstante, la prueba fue claramente decepcionante y en una libreta del estudio de 1933 David O. Selznick, que había contratado a Astaire en RKO y se había encargado de la prueba, la describió como "espantosa". En cualquier caso, el informe de la prueba no afectó a los planes de la RKO para Astaire, primero prestándolo durante unos pocos días a MGM en 1933 para su debut en Hollywood, donde apareció como él mismo bailando con Joan Crawford en la exitosa película musical Dancing Lady (Alma de bailarina).
Fred y Ginger[editar]
En su retorno a RKO Pictures encabezó el reparto al lado de Ginger Rogers y las dos grandes estrellas de la RKO en aquel momento: la mexicana Dolores del Río y el brasileño Raul Roulien en la película de 1933 Flying Down to Rio (Volando a Río), en la que el papel de la pareja Astaire-Rogers era secundario. En una crítica, la revista Variety atribuyó su enorme éxito a la presencia de Astaire: "El principal punto de Flying Down to Rio es la promesa de la pantalla Fred Astaire ... Él es una apuesta segura después de esta película, porque la pantalla le quiere claramente, el micro es amable con su voz y como bailarín pertenece a una clase para sí solo. La última observación no será noticia para la profesión, que ha admitido desde hace tiempo que Astaire comienza a bailar donde los otros no llegan." Aunque Astaire fue inicialmente muy reacio a formar parte de otros equipos de baile, fue convencido por las súplicas obvias del público, que se olvidó completamente de del Río y Roulien, las teóricas estrellas de la película y que sólo tuvo ojos para la pareja Astaire-Rogers, por lo que RKO apostó por los nuevos valores; Astaire apareció en un total de diez películas musicales con Ginger Rogers.
Esa pareja y la coreografía de Astaire y Hermes Pan, ayudaron a hacer del baile un elemento importante de las películas musicales de Hollywood. La serie de Astaire-Rogers está entre las mejores películas de los años 1930. Incluyen The Gay Divorcee (La alegre divorciada) (1934), Roberta (1935), Top Hat (Sombrero de copa) (1935), Follow the Fleet (Sigamos la flota) (1936), Swing Time (En alas de la danza) (1936), Shall We Dance (Ritmo loco) (1937), y Carefree (Amanda) (1938). Su trabajo en común les elevó al estrellato; como Katharine Hepburn dijo, "Él le daba clase y ella le daba sensualidad." (Nota del autor: La frase exacta de Katharine era: "He gave her class. She gave him sex". "Él le daba clase. Ella le daba sexo". El sentido de la frase tenía una clara intención despectiva expresamente hacia Rogers y era conocida por entonces la poca símpatia que había entre ambas).5
A Astaire se le reconocen dos innovaciones importantes en las películas musicales, primero, su insistencia en que la cámara (casi estacionaria) filmara una rutina de baile en una única toma, si es posible, mientras mantiene a los bailarines en todo el encuadre durante todo el tiempo - una política que Astaire mantuvo desde The Gay Divorcee (1934), hasta que fue invalidado por Francis Ford Coppola - que también despidió a Hermes Pan - cuando dirigía Finian's Rainbow (El valle del arco iris) (1968). En segundo lugar, fue firme en que todas las canciones y rutinas de baile estuvieran integradas suavemente en el argumento de la película, ayudando así a que la historia avanzase. Habitualmente, una película de Astaire incluía una interpretación individual para Astaire, una rutina de baile de comedia en pareja y una rutina de baile romántico en pareja.
Los críticos de baile Arlene Croce y John Mueller consideran que Rogers ha sido la mejor pareja de baile de Astaire,6 mientras reconocen que algunas de sus últimas parejas mostraron una destreza de técnica de baile superior, un punto de vista compartido7 por Hermes Pan y Stanley Donen.8 La crítico de cine Pauline Kael adopta una posición más neutral,9 mientras el crítico de cine Richard Schickel de la Revista Time escribe "La nostalgia alrededor de Rogers-Astaire tiende a descolorar a otras parejas.".10
Mueller resume las capacidades de Rogers como sigue: "Rogers sobresalía entre las parejas de Astaire no porque fuera superior a otras como bailarina sino porque, como una actriz intuitiva y hábil, ella era suficientemente cautelosa para darse cuenta de que la interpretación no acababa cuando el baile comenzaba... la razón por la que muchas mujeres han fantaseado con bailar con Fred Astaire es que Ginger Rogers transmitía la impresión de que bailar con él es la experiencia más emocionante imaginable." Según Astaire,11 "Ginger nunca había bailado con una pareja anteriormente. Ella lo fingió muchísimo. No sabía hacer claqué y no sabía hacer esto y aquello... pero Ginger tenía estilo y talento y lo mejoró mientras le acompañaba. Lo entendió tanto que después de un tiempo cualquiera que bailaba conmigo me parecía mal."
Sin embargo, Astaire seguía poco dispuesto a tener su carrera atada exclusivamente a cualquier pareja, ya habiendo sido vinculado con su hermana Adele en el teatro. Incluso negoció con RKO para emprender el camino en solitario con "A Damsel in Distress" en 1937, que resultó una película sin éxito. Volvió para hacer dos películas más con Rogers, Carefree y The Story of Vernon and Irene Castle y, cuando los dos perdieron dinero, Astaire dejó RKO, mientras Rogers permaneció y se convirtió en la propiedad más fuerte del estudio a principios de los años 1940. Se reunieron en 1949 para su décima y última aparición en The Barkleys of Broadway.
Destreza en canto y baile[editar]
Fred Astaire y Ginger Rogers en el trailer de Flying Down to Rio (1933).
Astaire fue un bailarín virtuoso, capaz de transmitir riesgos despreocupadamente o emociones profundas cuando se exigía. Su control técnico y sentido del ritmo fueron asombrosos; según una anécdota, era capaz, cuando era llamado de nuevo al estudio, de rehacer un número de baile que había filmado hacía varias semanas para un número de efectos especiales, de reproducir la rutina con exactitud hasta el último gesto. La ejecución de una rutina de baile de Astaire era de primera por su elegancia, gracia, originalidad y precisión. Él tiró de una variedad de influencias, incluyendo claqué y otros ritmos afroamericanos, baile clásico y el estilo elevado de Vernon e Irene Castle, para crear un estilo de baile único y reconocible que influyó ampliamente el estilo "American Smooth" del baile de salón, y fijó los estándares con los que los posteriores musicales en cine serían juzgados. Coreografió todas sus propias rutinas, normalmente con la ayuda de otros coreógrafos, principalmente Hermes Pan.
Su perfeccionismo fue legendario así como lo fue su modestia y consideración hacia sus artistas prójimos; sin embargo, su implacable insistencia en ensayos y nuevas tomas fue una carga para algunos. Aunque se veía a sí mismo principalmente como un artista, su consumado arte le supuso la adulación de algunas leyendas del baile del siglo XX como Michael Jackson, George Balanchine, los hermanos Nicholas, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Gene Kelly, Rudolf Nuréyev y Bill Robinson.
Extremadamente modesto sobre sus capacidades de canto - frecuentemente afirmaba que no sabía cantar12 - Astaire presentó algunas de las canciones más célebres del Great American Songbook, en particular, "Night and Day" de Cole Porter en Gay Divorce (1932); "Isn't it a Lovely Day" de Irving Berlin, "Cheek to Cheek" y "Top Hat, White Tie and Tails" en Top Hat (1935), "Let's Face the Music and Dance" en Follow the Fleet (1936) y "Change Partners" en Carefree (1938). Presentó "The Way You Look Tonight" de Jerome Kern en Swing Time (1936); "They Can't Take That Away From Me" de the Gershwins' en Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" y "Nice Work if You Can Get it" en A Damsel in Distress (1937) y presentó "One for My Baby" de Johnny Mercer en The Sky's the Limit (1943) y "Something's Gotta Give" en Daddy Long Legs (1955) junto con Harry Warren y "This Heart of Mine" de Arthur Freed en Ziegfeld Follies (1946).
Astaire también copresentó un número de canciones clásicas a través de duetos musicales con sus parejas. Por ejemplo, con su hermana Adele, copresentó "I'll Build a Stairway to Paradise" de the Gershwins' en Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" en Lady, Be Good (1924), "Funny Face" y "'S Wonderful" en Funny Face (1927); y, en duetos con Ginger Rogers, él presentó "I'm Putting All My Eggs In One Basket" de Irving Berlin en Follow the Fleet (1936), "Pick Yourself Up" de Jerome Kern y "A Fine Romance" en Swing Time (1936), junto con "Let's Call The Whole Thing Off" de The Gershwins' en Shall We Dance (1937). Con Judy Garland cantó "A Couple of Swells" de Irving Berlin en Easter Parade (1948); y, con Jack Buchanan, Oscar Levant y Nanette Fabray cantó "That's Entertainment" de Betty Comden y Adolph Green en The Band Wagon (1953).
Aunque poseía una voz suave, era admirado por su lirismo, dicción y construcción13 - la gracia y la elegancia tan apreciada en su baile parecía tener su reflejo en su canto, una capacidad de síntesis que llevó a Burton Lane a describirle como "El mejor intérprete musical del mundo."14 Irving Berlin consideró a Astaire igual que cualquier intérprete masculino de sus canciones - "tan bueno como Jolson, Crosby o Sinatra, no necesariamente por su voz, sino por su idea de proyectar una canción". Jerome Kern le consideró el intérprete masculino supremo de sus canciones14 y Cole Porter y Johnny Mercer también admiraron su tratamiento único de su trabajo. Y mientras George Gershwin era algo crítico15 con las capacidades de cante de Astaire, escribió muchas de sus canciones más memorables para él.
Otras parejas[editar]
Fred Astaire y Paulette Goddard en Second Chorus.
En 1939, Astaire dejó RKO para hacerse autónomo y buscar nuevas oportunidades cinematográficas. Se unió con otras estrellas, notablemente con Bing Crosby en Holiday Inn (1942) y más tarde Blue Skies (1946). Fue casi superado en Broadway Melody of 1940 (1940) por una de sus primeras parejas de baile post-Rogers, Eleanor Powell. Otras parejas durante este período incluyen Paulette Goddard en Second Chorus (1940), Rita Hayworth en You'll Never Get Rich (1941) y You Were Never Lovelier (1942), Joan Leslie en The Sky's the Limit (1943), y Lucille Bremer en Yolanda and the Thief (1945) y Ziegfeld Follies (1946). Ziegfeld Follies también contiene una pareja memorable de Astaire con Gene Kelly.
Después de anunciar su retirada con Blue Skies en 1946, Astaire pronto volvió a la gran pantalla para reemplazar al herido Gene Kelly en Easter Parade (1948) junto con Judy Garland y Ann Miller, y para una reunión final con Rogers, The Barkleys of Broadway (1949). Él entonces siguió haciendo más musicales durante los años 1950: Let's Dance (1950) con Betty Hutton, Royal Wedding (1951) con Jane Powell, Three Little Words (1950) y The Belle of New York (1952) con Vera Ellen, The Band Wagon (1953) y Silk Stockings (1957) con Cyd Charisse, Daddy Long Legs (1955) con Leslie Caron, y Funny Face (1957) con Audrey Hepburn. Su legado en este punto eran treinta películas de musicales en un período de veinticinco años. Más tarde, Astaire anunció que se retiraba de bailar en el cine para concentrarse en el teatro dramático, obteniendo críticas muy favorables por el drama sobre la guerra nuclear On the Beach (1959).
Fallecimiento[editar]
Murió el 22 de junio de 1987 a los 88 años, debido a una neumonía. Fue enterrado en el Cementerio Oakwood Memorial Park en Chatsworth (California). Poco antes de su muerte en 1987 él dijo a los medios: "No quería dejar este mundo sin saber quién era mi sucesor, gracias Michael" (refiriéndose al Rey del Pop Michael Jackson).WIKIPEDIA
jueves, 17 de septiembre de 2015
martes, 8 de septiembre de 2015
LA HISTORIA DE LOS TRES TENORES
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Los Tres Tenores
FOTO: Libertad digital.com
Los Tres Tenores fue un espectáculo realizado por los cantantes de ópera Luciano Pavarotti, José Carreras y Plácido Domingo, quienes ofrecieron juntos una serie de conciertos entre 1990 y comienzos del siglo XXI. Su repertorio comprendió desde óperas y obras de Broadway hasta canciones napolitanas y éxitos de la música pop.
Historia[editar]
El productor italiano Mario Dradi concibió la idea del concierto. El primero se llevó a cabo para recaudar fondos para la Fundació Internacional Josep Carreras per a la Lluita contra la Leucèmia; también fue para los amigos Domingo y Pavarotti, una forma de dar la bienvenida a Carreras en el mundo de la ópera después de haber tenido éxito en su tratamiento de la leucemia. Para el primer concierto de 1990 se planificó tener como escenario a la ciudad de Roma aprovechando el final de la Mundial de Fútbol realizado en Italia.
El concierto de Roma resultó en un enorme éxito, y las grabaciones del mismo (tanto en discos como en cintas de video) fueron ampliamente vendidas en todo el planeta. El éxito del concierto de 1990 motivó que el espectáculo quedara denominado definitivamente como Los Tres Tenores, quienes continuaron cantando juntos en conciertos producidos por el mánager húngaro Tibor Rudas y otros productores. Así, se planificó un segundo espectáculo en el Dodger Stadium de Los Ángeles antes del partido final de la Copa Mundial de Fútbol de 1994, el cual contó con una asistencia masiva y cuyas grabaciones discográficas y televisivas repitieron el gran éxito de cuatro años antes.
Ante ello, el espectáculo de Los Tres Tenores fue repetido en el Campo de Marte de París, bajo la Torre Eiffel durante la Copa Mundial de 1998, y luego se realizó en Yokohama (Japón) con motivo de la Mundial de Fútbol del 2002. También se reprodujeron conciertos similares en otras ciudades de todo el mundo (Londres, Nueva York, etc.), generalmente presentándose en estadios u otros grandes espacios. En Chile, una presentación similar se hizo, bajo el nombre de "Chile tres tenores cantan a Santiago", inspirado en las actuaciones de Domingo, Pavarotti y Carreras en la final de la Copa Mundial de Italia 1990, EE.UU. 1994, Francia 1998 y Corea Japón 2002.
Los conciertos fueron un gran éxito comercial, y fueron acompañados por una serie de grabaciones de gran éxito, incluyendo "Carreras-Domingo-Pavarotti: Los Tres Tenores en Concierto" (ganador de un Premio Grammy por Mejor interpretación vocal clásica,1 que posee el récord mundial Guinness para el álbum de música clásica más vendido en la historia),2 "Los Tres Tenores en Concierto 1994", "Los Tres Tenores: París 1998", "Los Tres Tenores Navidad", "Lo mejor de Los Tres Tenores". El director indio Zubin Mehta fue encargado de las actuaciones en 1990 y 1994, mientras que el concierto de París fue dirigido por James Levine.
Los Tres Tenores mantuvieron en todos sus conciertos un amplio repertorio: desde la ópera clásica italiana o alemana hasta canciones de Broadway, incluyendo canciones napolitanas y éxitos de música pop adaptados a la música clásica. Su característica firma incluye el aria Nessun dorma de la ópera Turandot de Giacomo Puccini, y la balada italiana "O Sole Mio".
Legado[editar]
"Creo que nosotros fuimos los principales responsables de que la ópera comenzara a llegar a un público más vasto. Esto es innegable, y esto es fundamental para la vida de la ópera".
(José Carreras)3
El fenómeno de los Tres Tenores fue aplaudido por muchos críticos debido a que implicaba presentar la ópera y la música clásica en general a un público más amplio que el tradicional, pero algunos puristas del género condenaron estos espectáculos alegando que la música clásica no podía ser entendida por grandes masas, agregando que era absurdo mezclar música popular y música culta con un simple ánimo de lucro en vista de grandes pagos que los tres cantantes y el director Zubin Mehta percibieron (más de 1 millón de dólares estadounidenses (US $1 000 000) por persona). Algunos críticos alegaron que la presentación de la ópera en estadios como en el Estadio de Wembley, con amplificadores pesados, contribuye muy poco a la comprensión y apreciación de la ópera. "Entiendo las quejas de los puristas," dijo Plácido Domingo a un entrevistador en 1998, "pero no quiero que los puristas vayan a ver a los Tres Tenores".WIKIPEDIA
miércoles, 2 de septiembre de 2015
El fantasma de la Ópera (2)
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Banda sonora
Compuesta por Andrew Loyd Webber e interpretada por los mismos actores Emmy Rossum, como Christine Daeé, Gerard Butler, como Erick, el Fantasma de la Ópera, y Patrick Wilson, como Raoul (voces principales):
CD1
Prologue
Overture / Hannibal
Think of me
Angel of music
Little Lotte / The mirror
The Phantom of the Opera
The music of the night
Magical Lasso
I Remember / Stranger than you dreamt it
Notes / Prima Donna
Poor fool, he makes me laught / Il Muto
Why have you brought me here / Raoul I've been there
All I ask of you
All I ask of you (Reprise)
CD2
Masquerade / Why so silent
Madame Giry's tale / The fairground
Journey to the Cemetery
Wishing you were somehow here again
Wandering Child
The swordfight
We have all been blind
Don Juan
The point of no return / Chandelier crash
Down once more / Track down this murderer
Learn to be lonely
Reparto[editar]
Gerard Butler (Erick, el Fantasma de la Ópera)
Emmy Rossum (Christine Daaé)
Patrick Wilson (Raoul de Chagny)
Miranda Richardson (Madame Giry)
Minnie Driver (La Carlotta)
Simon Callow (Andre)
Ciarán Hinds (Firmin)
Victor McGuire (Piangi)
Jennifer Ellison (Meg Giry)
James Fleet (Lefevre)
Kevin R. McNally (Buquet)
Doblaje español[editar]
Debido al gran número de canciones que tiene la película, se decidió que en España, Francia, Italia y Alemania la película fue estrenada con las canciones y los textos doblados al idioma de dicho país. Fue una decisión muy controvertida. En España el doblaje fue realizado por los mismos actores que habían protagonizado la obra de teatro en Madrid, con Juan Carlos Barona (Erick, el Fantasma de la Ópera), Julia Möller (Christine Daaé), Paco Arrojo (Raoul de Chagny), Belén Marcos (Carlotta), Yolanda Pérez (Madame Giry), David Muro (André) y Tony Cruz (Firmin) en los papeles principales.
Erik, El Fantasma de la ópera[editar]
Artículo principal: El fantasma de la ópera (novela)
Originalmente, el Fantasma de la Ópera nació como Erik, el hijo de un maestro de la albañilería, en una pequeña ciudad no muy lejos de Ruan. Escapó muy pronto de la casa de su padre, dónde su cara deformada era objeto de horror y terror para sus progenitores. Durante un tiempo, frecuentó las ferias, dónde un dueño de un espectáculo de exposición de monstruos lo anunciaba como el cadáver humano. Viajó alrededor de Europa y Asia con los gitanos. Allí consiguió pericia acrobática y musical para convertirse en un genio alejado de la norma. También se convirtió en un experto ventrílocuo.
Eventualmente, terminó como asesino de la corte e ingeniero personal del Sha de Persia y construyó para él sofisticadas trampas y dispositivos de tortura (como el lazo de Punjab). Después de algún tiempo, el Sha tuvo miedo de que Erik supiese demasiado y decidió acabar con su vida. Erik se las arregló para escapar y hacer su camino a Francia de nuevo.
Erik usó sus habilidades arquitectónicas y consiguió un trabajo como uno de los arquitectos que construirán la Ópera Garnier de París. Bajo el edificio, un lago artificial había sido creado durante la construcción usando ocho bombas hidráulicas, porque existían problemas ya que el nivel del agua subterránea seguía subiendo. Sin que nadie se diese cuenta, Erick construyó un laberinto de túneles y pasillos en los niveles más bajos. Más allá del lago subterráneo construyó un hogar para sí mismo, dónde podría vivir protegido del resto de la gente.
Aún siendo un brillante inventor e ingeniero, Erik también era un genio musical, y empezó a visitar la Casa de la Ópera para escuchar óperas e interferir con el supuesto mal gusto del gerente. Al no poder enseñar su cara en público, se caracterizó como un fantasma y usó la violencia para chantajear a los gerentes de la ópera y atarlos a su voluntad. Explotó las supersticiones de los empleados y su conocimiento de los pasajes secretos del edificio, lo que le permitía llegar a cualquier parte de la ópera sin que nadie se diese cuenta. Aterrorizaba a aquellos que se negaban a atender sus peticiones e incluso mató gente para avisar. De cualquier manera, trataba bien a los que se comportaban de forma leal y le obedecían sus órdenes (como Madame Giry).
Diferencias con otras versiones[editar]
En esta versión cinematográfica, Erick es acogido desde muy joven por Madame Giry, quien le ayuda a esconderse de sus antiguos captores del circo donde Erick era presentado como una horrible atracción. A su vez algunos eventos de la historia ocurren en orden diferente (como la muerte de Joseph Buquet) o algunos son modificados (como la caída del candelabro). El Persa, quién tiene un papel importante en el libro no aparece (siendo Madame Giry su suerte de reemplazo), y teniendo un cameo en el mono persa que tiene Erick, el Fantasma de la Ópera.
Premios[editar]
Premios BAFTA
Cateogria Nominación Posición
Mejor película El fantasma de la ópera Nominado
Mejor película musical El fantasma de la ópera Segundo Puesto
Mejor diseño de vestuario El fantasma de la ópera 'Ganador'
Mejor maquillaje El fantasma de la ópera nominado
Mejor fotografia El fantasma de la ópera Ganador
Mejor canción Angel De La Musica Nominado
Mejor canción Carnaval Tercer puesto
Mejor montaje El Fantasma De La Opera Ganador
Mejor dirección artística El Fantasma De La Opera Nominado-Wikipedia
El fantasma de la ópera
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El fantasma de la ópera (película de 2004)
Wikipedia
The Phantom of the Opera
Título El Fantasma de la Ópera
Ficha técnica
Dirección
Joel Schumacher
Tim Burton
Dirección artística Tim Burton
Producción Andrew Lloyd Webber
Guion Andrew Lloyd Webber
Charles Hart
Richard Stilgoe
Joel Schumacher
Tim Burton
Fotografía John Mathieson
Protagonistas Gerard Butler
Emmy Rossum
Partick Wilson
Miranda Richardson
Minnie Driver
Simon Callow
Ciarán Hinds
Jennifer Ellison
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 2004
El fantasma de la ópera (The Phantom of the Opera) es la última adaptación cinematográfica de la famosa novela de Gastón Leroux. La película fue dirigida por Joel Schumacher y Tim Burton, quienes se sumaron también para escribir el guion junto a Andrew Lloyd Webber y estrenada en 2004. Entre el reparto podemos encontrar a Gerard Butler como Erik, el Fantasma de la Ópera, Emmy Rossum (para la fecha en la que se filmó, sólo contaba con 17 años de edad) como Christine Daaé, Patrick Wilson interpretando a Raoul Vizconde de Chagny, Miranda Richardson como Madame Giry, Jennifer Ellison como Meg Giry, y Minnie Driver como Carlotta Giudicelli (su voz fue doblada por Margaret Preece, cantante profesional de ópera, interpretando Minnie con su propia voz la canción de los títulos de crédito, Learn to be lonely, que fue nominada al premio Óscar).
Sinopsis
En 1919, en la Paris Opera House tiene lugar una subasta. El anciano vizconde de Chagny (Patrick Wilson) compra una caja de música con la forma de un mono que lleva túnica persa y que toca los platillos. Durante la subasta, se encuentra con Madame Giry (Miranda Richardson), a quien conoció cuando era joven. La atención se llama en la siguiente pieza de la subasta, el lote 666: una lámpara de araña de piezas que ha sido restaurada recientemente y cableada para la novedosa electricidad. A medida que los subastadores muestran la araña restaurada, ilumina y lentamente se eleva a su antiguo lugar en las vigas como el crescendo apertura de la música evoca los años de decadencia de la ópera. El blanco y negro se convierte en el color, y el público viaja en el tiempo hasta 1870, cuando la ópera estaba en su mejor momento.
La ópera es comprada por dos nuevos propietarios, Richard Firmin (Ciarán Hinds) y Gilles André (Simon Callow), que son de la industria "chatarra" y no tienen experiencia en el teatro. Mientras, en el elenco están ensayando Aníbal. Madame Giry, que es una amante del ballet y madre de Meg Giry (Jennifer Ellison), les presenta a Christine Daaé (Emmy Rossum), una bailarina de ballet y una joven pero talentosa cantante. El joven vizconde Raoul, entra al ensayo, y Christine lo reconoce como su amor de la infancia. Él no la ve, sin embargo, y ella no dice nada para llamar su atención, suponiendo que no la reconocería. Durante la realización de un aria, un telón de fondo cae misteriosamente del techo y casi aplasta Carlotta Giudicelli (Minnie Driver), solista y la soprano, que inmediatamente dimite. Mientras tanto, una figura oscura se aparta del lugar dónde se encontraba el telón y un sobre cae al suelo. Madame Giry lo abre y lee la carta firmada por "F.O.", una entidad fantasma que vive en algún lugar dentro de la casa de la ópera. Al parecer, organizaba los espectáculos y el antiguo propietario de la ópera le apgaba 20.000 francos al mes. Firmin y André se apresuran para reemplazar Carlotta, y Christine ses elegida como suplente después de cantar para ellos. Esa noche ella canta muy bien, y el Fantasma de la ópera la oye a través de los conductos de ventilación.
Durante la actuación de Christine, Raoul la reconoce desde su infancia. Después del espectáculo, Christine va a la capilla para encender una vela por su padre, que murió cuando ella tenía seis años. Meg le pregunta a Christine cómo aprendió a cantar tan bien. Christine explica que su padre le prometió que le enviaría un ángel de la música para que cuidase de ella cuando él muriese. Ella piensa que su padre envió este "ángel" para ayudarla, pero en realidad es el fantasma de la Ópera (Gerard Butler), quien le enseña. Más tarde, ella está en su camerino, donde se reúne con Raúl. Él planea llevarla a cenar, pero ella se niega, diciendo que el ángel es muy estricto. Raoul la ignora y la deja prepararse para su cita. El fantasma encierra a Christine en su habitación y canta con ella sobre de su disgusto de que Raoul esté intentando cortejarla. Christine se disculpa, pidiéndole que viniera a ella. Él se revela a través de su espejo y la lleva con él.
Christine va con el fantasma a su guarida debajo de la casa de la ópera. Él le dice indirectamente que la ama y quiere que ella le ame también. Le muestra Christine un maniquí con su aspecto y con un vestido de novia y velo, lo que la hace desmayarse, y el Fantasma la coloca en una cama. A la mañana siguiente se despierta y se encuentra al fantasma componiendo su música. Ella se le acerca y se quita su máscara por curiosidad. Él estalla en un ataque de rabia, cubriéndose la cara con la mano. Él al principio dice que debe quedarse para siempre, porque ella ve sus deformidades, revelando sus "sueños de belleza". Christine le devuelve la máscara y los dos tienen un momento de comprensión. Entonces decide dejarle volver a la ópera.
Esa mañana, los dos gerentes lamentan la desaparición de Christine, así como una serie de notas que recibieron del fantasma tratando de chantajearles para que le pagasen y dándoles instrucciones sobre cómo dirigir la ópera. Cuando Carlotta regresa, está furiosa por haber encontrado una nota diciendo que si ella canta como la condesa en Il Muto esa noche en vez de Christine, ocurrirían desgracias "más allá de su imaginación". Firmin y André ignoran las advertencias del fantasma y dan a Carlotta el papel principal. Esa noche, el fantasma interrumpe la representación y critica su incapacidad para seguir sus órdenes.
Carlotta sigue cantando, pero su voz falla y el papel principal se le da a Christine. Mientras se realiza el ballet, el fantasma se cierne sobre Buquet (Kevin McNally), el encargado del telón, y lo ahorca haciendo que caiga en el escenario, creando el caos. Christine huye a la azotea con Raoul. Ella le revela que ella ha visto la cara del fantasma y le teme, pero también le compadece a causa de su tristeza. Raoul le dice a Christine que él la ama y la protegerá siempre. Christine le corresponde, besándolo apasionadamente y ambos abandonan la azotea. El fantasma, que fue testigo de la escena, se convierte en el corazón destrozado. A continuación, les oye tanto cantar juntos. Furioso con Raoul, jura vengarse de los dos.
Tres meses más tarde, una fiesta de disfraces tiene lugar en el teatro de la ópera. En la fiesta, Christine lleva su nuevo anillo de compromiso de Raoul. El evento se interrumpe una vez más por el fantasma, que se viste como la Muerte Roja. El fantasma trae su nueva ópera, Don Juan Triunfante, y ordena a los administradores organizar el nuevo espectáculo. Raoul sale de la habitación y Christine se acerca al Fantasma. Al ver el anillo de compromiso, el fantasma lo arranca del cuello de Christine y desaparece por una trampilla en el suelo. Raoul intenta seguirlo pero es detenido por Madame Giry, quien le cuenta en privado la historia del pasado del fantasma. Cuando era una niña, se fue a un circo gitano donde ofrecieron un niño deforme en una jaula. El niño fue golpeado mientras todo el mundo miraba y se reía. El maestro de ceremonias y luego sacó un saco de arpillera que cubra la cara del niño, revelando su deformidad. Sólo los jóvenes Madame Giry le compadecía. Ella era el último en salir y vio al niño estrangular el maestro de ceremonias con una cuerda. Perseguido por la policía, Madame Giry le ayudó a escapar y encontró refugio para él debajo de la casa de la ópera, donde ella lo ha escondido del mundo desde entonces.
Christine tiene un carruaje para visitar la tumba de su padre, pero el fantasma secretamente toma las riendas. Raoul sigue cuando se da cuenta que se ha ido. Christine llega y se lamenta por la muerte de su padre. El fantasma intenta ganar la espalda fingiendo ser el ángel de su padre, pero Raoul llega y lo detiene. Una lucha a espada sobreviene en el cementerio, donde Raoul finalmente desarma el Phantom y está a punto de matarlo, pero Christine aboga para él no. Su rabia aparentemente aumentada, el Phantom relojes airadamente como Christine y Raoul paseo de distancia.
Christine admite que tiene miedo al fantasma y le dice a Raoul nunca dejará de intentar recapturar ella. Raoul se da cuenta de que pueden utilizar la ópera del Fantasma para capturarlo, ya que seguramente asistir. Don Juan Triunfante se lleva a cabo, y el fantasma hace su entrada como el plomo con Christine. Raoul no puede hacer nada, pero el reloj de su caja como Christine se enamora del fantasma una vez más. Sin embargo, una vez más, se quita la máscara, revelando sus deformidades a todo el público, que gritan en el miedo. Él se escapa con ella dejando caer la araña y el establecimiento de la ópera en el fuego.
El Fantasma Christine trae de vuelta a su guarida. Madame Giry muestra Raoul donde el fantasma vive, y él va a rescatar a Christine. Las fuerzas Phantom Christine a don el vestido de novia y una vez más profesa su amor, y las órdenes de Christine se casen él. Christine intenta convencer al fantasma que ella no teme su fealdad, sino más bien su ira y deseo de matar para conseguir lo que quiere. Justo en ese momento, Raoul entra la guarida, y el fantasma lo ata a una puerta y amenaza con matarlo si Christine se niega a casarse con él. Christine refleja en la elección imposible antes besando apasionadamente el Fantasma para mostrarle que no está solo en el mundo. El Fantasma se sorprende de experimentar el amor humano real por primera vez en su vida. Avergonzado de sus acciones asesinas, que permite a Christine y Raoul se vayan y les ordena que nunca regresan. Él encuentra consuelo en una cajita de música mono. Christine se acerca al fantasma, que le dice que la ama, y ella en silencio le da el anillo de diamantes de su dedo para recordarla. Después de Christine y Raoul se van, el fantasma rompe todos los espejos en su guarida subterránea y desaparece a través de un pasadizo secreto detrás de una cortina de terciopelo justo antes de que llegue la policía. Al entrar, Meg sólo encuentra máscara blanca del Fantasma.
De vuelta al presente, los ancianos Raoul va a visitar la tumba de Christine, que revela que ella murió sólo dos años antes, en 1917, a los 63 años su lápida dice "condesa de Chagny" y "amada esposa y madre", revelando que ella se casó Raoul y tenían hijos. Él pone la caja de música de mono en su sitio grave y da cuenta de una rosa roja con un lazo negro atada alrededor de ella (una marca comercial de la Phantom) con el anillo de compromiso que se le atribuye, lo que implica que el Fantasma está todavía vivo, y será siempre el amor Christine .
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